Querido Pedro,

El sábado pasado al fin fui a ver tu esperada y sobrepublicitada décimo séptima película.

Que lo más destacable de ella sea el homenaje que te has marcado de Mujeres al borde de un ataque de nervios, no viene más que a confirmar ese halo de decepción que sobrevolaba la película tras su estreno. Una cosa es que en Volver partieras de una historia que escribe Amanda Gris en La flor de mi secreto, y otra muy distinta es que aquí hagas un refrito de tu mejor comedia, que digo yo que para eso me pongo la original directamente.

Y no es que me parezca mal que te autohomenajees, que el problema no es ese, que Chus está ideal, Rosy casi supera a Julieta Serrano, Carmen Machi es la reinvención perfecta de María Barranco y Penélope Cruz es tu nueva Carmen Maura, salvando las distancias. El problema es que aparte de esas escenas, y de una Lola Dueñas inmensa, queda una historia (la verdadera historia principal) y unos personajes que te dejan totalmente indiferente y con los que no empatizas en absoluto. Algo que hasta en Carne trémula conseguiste por los pelos.

Técnicamente vuelves a estar intachable, pero ya no sorprendes. Gran Canaria te ha quedado muy bonita, esos planos de Penélope cortando tomates son magnificos, la escena de la escalera es de una belleza sin igual, al igual que la de Penélope en la cama fumando mientras el otro se hacía el muerto, o la escena en la que ella se dobla a sí misma... pero a estas alturas no basta con deleitarse en el preciosismo. Me gustaría pensar que tu cine es algo más que un bonito envoltorio y un homenaje autocomplaciente.

Después ya, hay cosas como la aparición inicial de Kira Miró, que te creía yo con más independencia para evitarte a la niñata esta, por muy hija de uno de los patrocinadores que sea. Por no hablar de lo forzados que resultan en general los diálogos, de la inverosímil sobreactuación de Blanco Portillo en su confesión final, de un nefasto Rubén Ochandiano (Ernesto Martel hijo) o de un anodino Tamar Novas (Diego), que lo de poner a un niño mono pero soso ya lo hiciste en Carne trémula con Liberto Rabal y te salió como te salió. De lo de Dani Martín mejor ni opino.

Lo siento, pero no. No te salvan ni un buen Luís Homar, ni un correcto José Luís Gómez (Ernesto Martel padre), ni una buena (magistral a ratos) Penélope, ni una fugaz Ángela Molina. No te salvan, porque salí del cine después de unos excesivos 130 minutos con la sensación de haber perdido dos horas de mi vida, y mi tiempo vale mucho más que todo eso.

Sin mucho más que añadir, decepcionado y expectante ante una futura película donde me hagas recuperar la confianza que tuve en ti, me despido.

No entiendo por qué mucha gente dice que esta película está sobrevalorada. Después de venir de tres dramas, quizás ponerse a hacer una comedia más o menos ligera fue un contraste que muchos no sabieron entender, y vale, Volver no es Mujeres al borde de un ataque de nervios, no llega a la maestría de esa comedia, pero en conjunto para mi es una película muy buena y muy necesaria para tomarse un respiro de tanto drama en su filmografía.

Y es que por más que lo pienso no le encuentro defectos. Quizás una Penélope que en ocasiones cuesta de creer en su papel de madre soltera barriobajera, no por su interpretación, que es buena, sino porque deslumbra con su presencia, y también porque a su alrededor tiene un reparto de actrices y personajes de los que hacía tiempo que Pedro no conseguía juntar. Blanca Portillo con un personaje dispuesto para su lucimiento interpretativo, Lola Dueñas absolutamente increible, una correctísima Yohana Cobo, pero sobre todo, el esperadísimo regreso almodovariano de Carmen Maura, que le basta simplemente aparecer en plano para llenar la pantalla.

Una vez más, Pedro se maneja con maestría entre mil y un géneros, comedia, drama, intriga... y si en La mala educación hizo catarsis de su infancia escolar, en Volver representa el ambiente de los pueblos de La Mancha con tal realismo que llega a asustar. Sin duda un acercamiento a su infancia mucho más amable y positivo que el que nos entregaría en su anterior largometraje, en el que por encima de los celos, los asesinatos, los abusos paternales,... hay una ternura que lo inunda todo.

Atrás quedan los saltos temporales, la estructuración poética y las complicadas tramas y subtramas, para dar paso a una sencilla historia lineal puesta al servicio de los personajes y sus interpretes y al servicio del universo almodovariano, en el que se vuelven a mezclar complicadas relaciones materno-filiales, soledades, conflictos pasados, dificultades económicas,... en un repaso y auto homenaje a muchos de los personajes de su filmografía, desde el ama de casa de Qué he hecho yo para merecer esto, las prostitutas de Todo sobre mi madre, las historias y el ambiente de pueblo de La flor de mi secreto, el deambular desesperado de Penélope como en su día hizo Carmen Maura en Mujeres al borde de un ataque de nervios,...

En definitiva, una vuelta a su pasado y a su filmografía para retomar todo lo característico de su cine y llevarlo más allá.

Después de hacer su película más poética, a pesar del fallido primer acto de Hable con ella, Pedro se lió la manta a la cabeza y se dispuso a hacer pura catarsis con su nuevo largometraje.

Siempre que se habla de esta película, se habla de decepción, quizás porque su trama es un tanto compleja, contándonos una misma historia desde tres puntos de vista (realidad, relato y película), quizás porque el tema de los abusos de la Iglesia en la educación durante el franquismo es tratado por el director de una manera un tanto obsesiva, a pesar de haberse querido alejar para tratarlo lo más objetivamente posible (según palabras del propio Almodóvar), quizás porque el peso de la historia, el nexo de unión, recae en un anodino Fele Martínez. El caso es que La mala educación es una película que hay que ver dos o tres veces para superar el primer obstáculo de lo enrevesado de su trama y poder disfrutarla en otros aspectos.

Otros aspectos como la interpretación de Gael García Bernal, con uno de los papeles más complicados de su filmografía, interpretando a un personaje que cambia completamente de registro en función de si es Zahara, Ángel o Juan, añadiendo un perfecto trabajo del acento. Personaje que nos trae las ya clásicas reinterpretaciones de sí mismo que hace Pedro de un tiempo a esta parte en sus películas, juntando en Zahara lo mejor de Letal de Tacones lejanos y el histriónico vestuario de Andrea Cara Cortada (el personaje de Victoria Abril en Kika). Reinterpretaciones incluso muy cercanas en el tiempo, con un desbordante Javier Cámara que a falta de Agrado/Antonia San Juan, demuestra su capacidad de meterse en personajes tan dispares como el Benigno de Hable con ella o la Paca de La mala educación.

Siguiendo con los actores, muy destacable es también la actuación de Daniel Giménez Cacho, interpretando a un Padre Manolo en el relato y la película que rebosa expresividad, en especial en la escena en la que Ignacio canta una canción en el cumpleaños de uno de los curas.

Pero aparte de las actuaciones, lo verdaderamente disfrutable de esta película es, en primer lugar, la perfección técnica con la que está filmada, en la que Pedro parece haber alcanzado una madurez total, de la que ya hizo gala en Hable con ella, consiguiendo que cada plano sea un tratado estético. Y en segundo lugar, la historia en sí, con un trabajo muy bueno de guión detrás, separando con maestría las tres historias dentro de la película, sabiendo darle los matices correctos a cada parte, saltando de la nostalgia del relato, a lo más caricaturesco en la película dentro de la película, y terminando con el decadente panorama de la realidad, donde se nos muestran las verdaderas consecuencias de esa infancia, retratando unos personajes perdidos en su soledad, obsesionados con sus traumas y abandonados a sus pasiones más oscuras.

En definitiva, las espectativas, la frialdad de los personajes y lo enrevesado de la trama, son sin duda tres factores que en su día jugaron en contra de una película a la que hay que volver al cabo de un tiempo para descubrirla.

Creo que esta debe de ser la película "masculina" de Pedro que más me gusta. Seguramente sea porque los dos protagonistas tienen una extraña combinación de heterosexualidad y feminidad, que los hace tremendamente atractivos.

El error, el grandísimo error de esta película, es su comienzo. La historia con Rosario Flores (Lydia) es absolutamente innecesaria, no aporta nada a la historia y no se me ocurre ninguna justificación para introducirla excepto la meramente estética, por lo preciosista de las escenas del mundo del toreo. A cambio de esa discutible justificación, tenemos que tragar con las actuaciones de Rosario Flores y Adolfo Fernández (El niño de Valencia), sin duda lo peor de la película.

Por suerte, a partir de que Rosario se queda en coma y aparece Javier Cámara (Benigno) en escena, empieza la grandeza de la historia. La química entre Javier y Darío Grandinetti (Marco) es tremenda, la contraposición de ambos personajes, lo contradictorio de sus personalidades, lo creíble que resulta su amistad.

Siempre he pensado que la historia debería haber empezado con la llegada de Lydia al hospital y habernos presentado el personaje de Marco a modo de flashbacks, cargándolo de misterio al principio, para ir deshilachando el personaje poco a poco. Cosa que sí vemos con Benigno, que se nos presenta desde el principio como el amable y atento enfermero que todos desearíamos encontrar en un hospital, para ir poco a poco ahondando en su verdadera historia, su inocencia, sus miserias, su soledad y su lado más oscuro. Un Javier Cámara que está perfecto, muy lejos de su faceta televisiva, en un papel que por desgracia no ha vuelto a repetir.

Por contra, Darío tiene que soportar la primera parte con Rosario Flores, y no es hasta su encuentro con Javier Cámara cuando su personaje encuentra un equilibrio que permita sacar a la luz sus capacidades interpretativas.

A pesar de todo, es, junto a Todo sobre mi madre, su película más madura, donde además se atreve a experimentar con las formas narrativas, estructurando la película en tres partes, pero sin mostrarnos nada de la tercera, dejándola completamente abierta y finalizando así el film.

Siempre he mantenido una especie de relación extraña con las películas que tienen un gran reconocimiento internacional. No porque sea una mala película sobrevalorada, que no lo es, sino por el contínuo bombardeo al que nos someten con este tipo de películas.

Que esta película supuso un antes y un después en la carrera de Pedro, es una obviedad. Le abrió las puertas de Hollywood, donde parecieron descubrirle en este momento y volverse locos con su particular idiosincrasia, para olvidarse de él tras Hable con ella.

Volviendo a la película, la considero su mejor drama, en el que ha sabido reunir todos los elementos de su cine, con buenísimas actrices y una buena historia, pero no es la película de Pedro que más me gusta. Quizás porque los contínuos saltos temporales con cartelito incluido le restan fluidez a la historia. Quizás porque, a pesar de contar con buenas actrices, hay dos o tres planos en los que Cecilia Roth chirría un poco. Quizás porque cuantas más espectativas llevas, más difícil es satisfacerlas.

Aún así, tiene momentos verdaderamente brillantes, sobre todo por la química que se desprende en los diálogos entre sus actrices, consiguiendo que hasta un Toni Cantó travestido de arriba abajo resulte creíble e incluso ensombrezca en sus dos apariciones a Cecilia Roth. Y también incluyendo Barcelona de una forma muy discreta, pero muy presente.

Un nuevo bajón en la filmografía de Pedro, que casi sirve para confirmar que las historias masculinas no le salen muy bien al señor Almodóvar. Quizás el fallo más gordo está en el reparto, con un Javier Bardem anodino (algún día tendré que hablar de lo sobrevalorado que me parece que está este actor), un Liberto Rabal patético y una Francesca Neri que no aporta nada. Tan sólo salvaría a Pepe Sancho, que lo tiene fácil con un papel que le viene hecho a medida, y a Ángela Molina, que tres cuartos de lo mismo.

Partiendo de este hecho, resulta complicado levantar una historia donde se intentan desarrollar obsesiones, pasiones, celos, malos tratos, etc., alrededor del quinteto amoroso o, más bien, de los tres tríos que se forman entre los personajes. El caso es que la historia tampoco tiene mucha miga, vamos, que igual con una buena elección de actores la película tampoco hubiera supuesto un hito.

En fin, que no sé tampoco qué más comentar de la película, lo que me hace pensar que incluso es peor que Kika, porque al menos ésta de tan esperpéntica no te deja indiferente, y antes de cansarme de Verónica Forqué, me hizo soltar alguna que otra carcajada.

Pero cómo se te ocurre venirnos con la historia de una madre que descubre que su hija ha matado al padre después de que éste intentara violarla, y que para que nadie se entere la madre lo hiberna en la cámara frigorífica del restaurante de un vecino...Hoy, en superdémodé, Volv... esto... La flor de mi secreto.

No es de las consideradas como imprescindibles, aunque para mi lo es, tiene algo especial que me llama mucho la atención, multitud de elementos con los que me siento identificado: el ambiente literario femenino y suicida, la máquina de escribir, la libreta para tomar notas, los libros con frases subrayadas, la desesperación de Leo y su huída al pueblo tras la ruptura, el amor no correspondido de Ángel, la madre de Leo que es clavada a mi abuela, las manifestaciones de los estudiantes de medicina a las que asistió mi hermana... un conjunto intimista lleno de sensibilidad y de dolor.

Precisamente, la escena de la manifestación es una de las más impresionantes, cuando Leo (Marisa Paredes) se ve en medio de una multitud de estudiantes, y ajena a lo que pasa a su alrededor, se derrumba al ver el eslogan de Roca "Te quiero a ti", tras haber tocado fondo tras un intento de suicidio tomándose medio bote de pastillas. Una escena tan real que duele, que describe a la perfección esas situaciones por las que muchos hemos pasado (al menos yo sí), cuando tras una ruptura sentimental, una simple frase en una revista, en una canción, en un libro, es capaz de aplastarnos por completo sin importar que alrededor tengamos una manifestación de estudiantes, un cumpleaños o la gente del tranvía.

La historia de Leo es tan sencilla, tan cotidiana y tan bien llevada e interpretada por Marisa Paredes, que de ahí surge su fuerza. Un auténtico descenso a los infiernos de una mujer a la que su marido le mantiene en un continuo estado de desesperanza y desasosiego, incapaz de ponerle fin a una situación por simple cobardía.

Por otro lado, no me olvido de Ángel (Juan Echanove), el pobre enamorado no correspondido por una mujer que está pasando por un infierno sentimental, el eterno enamorado paciente, que esperaría por tiempo indefinido a que finalmente Leo le haga caso algún día. No sé si habría un actor mejor que Juan Echanove para interpretar este papel, pero él lo hace con maestría, con ese aire de bondad, patetismo e inocencia que le rodea.

Almodóvar ya haría gala aquí del costumbrismo rural que desarrollaría más tarde en Volver, de hecho, la casa de pueblo en ambas películas es la misma, o lo parece. Y el ambiente del pueblo, con una magistral Chus Lampreave haciendo de abuela gruñona, es perfecto sin más. Esto, junto con los cuernos de su mejor amiga, el espectáculo flamenco de su criada, y la relación con sus editores, forman un conjunto de subtramas que complementan bastante bien a la historia principal.

Desde Mujeres al borde de un ataque de nervios, Pedro no había vuelto a hacer una película tan femenina. Entonces en clave de comedia, y aquí como el que hasta ahora considero su mejor drama por detrás de Todo sobre mi madre. Sin fisuras en la historia, ni elementos extraños, y con un trabajo de personajes y un reparto realmente bueno.

Esta es sin duda la peor película de Pedro Almodóvar. De repente, después de tres peliculones, decide dar rienda suelta a sus rarezas más bárbaras y hacer un esperpento de película.

Si al menos hubiera sido una gamberrada bien hecha, podríamos haber estado frente a una digna y divertida vuelta a los inicios, pero el resultado queda muy lejos de ser algo digno. Con una infame Verónica Forqué, que inexplicablemente ganó un Goya, una Victoria Abril fuera de sus casillas, un anodino Álex Casanovas y un nefasto Peter Coyote, fatalmente doblado.

La historia... no hay por donde cogerla: una maquilladora que un día es contratada para maquillar a un muerto que revive mientras le maquilla, que resulta ser un vouyeur, con el que termina emparejándose, y a la vez se tira a su padre, escritor y asesino en serie, acosados todos por una histriónica reportera que tiene un programa de sucesos donde da rienda suelta al morbo televisivo hasta límites donde aún no ha llegado la televisión actual (aunque dadles dos días). En realidad viene a ser un conjunto de gags especialmente pensados para que la Forqué se interprete a sí misma una vez más, hasta resultar realmente cansina, dando un resultado bastante inconexo, con hilo conductor (el suicidio de la madre de Álex Casanovas), que poco tiene que ver con el personaje de Verónica y que carece por completo de interés.

Poco puedo añadir que no sea seguir despotricándo y dándole vueltas a lo mismo. Al menos el personal hetero masculino podrá hartarse de ver tetas, Verónica, Anabel Alonso y Bibiana, a la que vemos como Dios la trajo al mundo, bueno, o como ella se hizo a sí misma, más bien. Aunque me da a mi que ninguna de esas tres mujeres resultan demasiado interesantes hoy en día. Bueno, o no, que desde lo de Concha Velasco desnuda, yo ya me lo creo todo.

Esta es la primera película de Pedro Almodovar de la que tengo un claro recuerdo, no de la película en sí, porque aún tardaría unos cuantos años en ir a ver una película de Almodóvar al cine, sino del maravilloso cartel con ese tacón-cañón de pistola.

Junto con Mujeres y Átame, creo que Pedro pasó por su etapa más inspirada, con tres películas seguidas de una calidad impresionante. Si Victoria Abril estuvo maravillosa en Átame, en Tacones Lejanos se sale de la pantalla, y con una correcta Marisa Paredes interpretándose un poco a sí misma con ese aire de diva trasnochada, conforman un tandem que lleva todo el peso de la película. Sólo con la escena de ellas dos en el tribunal, sobran las palabras.

Por desgracia, a Pedro le dio el puntazo de contar con Miguel Bosé, que si bien en sus dos actuaciones de transformista está perfecto, en el resto de la película no hace más que poner en evidencia sus carencias interpretativas. Vamos, que una cosa es interpretar una canción encima de un escenario, y otra muy distinta desarrollar un personaje completo, con gestos, miradas y diálogos.

La historia, uno de esos dramas policiacos con asesinato que tanto le gustan a Pedro, sea quizás la más seria y dramática del director. Poca cabida hay para el humor, exceptuando la escena del baile en la carcel con Bibiana y las dos actuaciones de Letal, el resto es realmente desolador, impregnado de la tristeza y la desdicha de ambas protagonistas, envueltas en una tormentosa relación maternofilial.

Para verla un día con ganas. Imprescindible.

Acostumbrados como nos tiene Almodóvar a unas tramas rocambolescas, con multitud de saltos, cambios, giros, etc., me sorprendió bastante encontrarme con una película tan centrada, compacta y sencilla como Átame.

El planteamiento, muy simple, a Antonio Banderas le dan el alta médica y judicial en el manicomio donde estaba internado, y se va a buscar a Victoria Abril, de la cual se enamoró cuando se la folló hace tiempo en una de sus fugas, para secuestrarla, obligarla a que se enamore de él y sacarla de la vida de prostitución y drogas en la que estaba metida.

Me es imposible no compararla con La ley del deseo, porque en ambas nos encontramos el mismo tipo de amor obsesivo y en ambas, además, el obsesionado es Antonio Banderas. Pero si en la primera los ires y venires de los personajes, y la presencia de más subtramas como la de Carmen Maura, hacen que al final el resultado sea un poco disperso. En Átame, precisamente la sencillez del planteamiento, el ir al grano, el centrarse en profundizar en ese amor obsesivo hasta las últimas consecuencias, es lo que hace que la película termine ganando.

Lo más sonado de esta película es que fue la primera tras el enfado entre Pedro y Carmen Maura, y la aparición estelar de Victoria Abril, que se convertiría en su nueva actriz fetiche. Y lo siento por Carmen, pero Victoria está magnífica, formando con Antonio Banderas una pareja con una química apabullante. La forma en la que ambos personajes, sobre todo el de ella, van evolucionando a lo largo de la película está interpretada a la perfección, en cada escena, cada pelea, el paseo por la calle, cuando le cura las heridas, el polvo, el pedazo de polvo... Y en como llega ese final, sin rodeos y con absoluta sencillez.

Quizás para muchos no lo sea, pero yo la tengo como una de las imprescindibles de Pedro, en la que supo volver a jugar con todos los elementos de su cine, pero quitándose unos cuantos clichés de encima.

Cada uno tenemos nuestro particular ranking en las películas de Pedro. Para mi esta es La Película de Almodóvar.

Última de su etapa con Carmen Maura, pero no de su etapa de pasiones enfermizas, si hay algo que resalte especialmente en esta película, es precisamente su actuación. Carmen Maura está magistral, sin más. Una mujer desesperada por hablar con su ex amante, que no sabe si ir, si venir, si seguir esperando que suene el teléfono o tirarlo por la ventana, si pedirle a su ex que vuelvan o tirarle la maleta por la ventana, si aferrarse a la vida o suicidarse con un gazpacho de somníferos...

Y no sólo ella lo borda en todos y cada uno de los cambios de humor de un personaje absolutamente desquiciado por el desamor. Todas y cada una de las actrices secundarias bordan sus papeles. María Barranco está genial en su papel de enamorada de un terrorista y fugitiva de la justicia, Julieta Serrano como primera esposa celosa y completamente ida, Rosi de Palma tremenda desde el primer momento en el que entra por la puerta del ático hasta que se despierta al final,... hasta Chus Lampreave, que para tres momentos que aparece, hace de cada uno de ellos escenas memorables del cine de Almodóvar y del conjunto del cine español.

Aparte de su magnífico elenco de actrices, la magia de esta película está en su teatralidad, su forma de jugar con el escenario del ático y convertirlo en un personaje más de la historia, la forma de hacer de cada objeto un icono: el teléfono, el contestador, los tomates, las vistas de la terraza, los trajes de Carmen, los pendientes-cafetera de María Barranco, etc. Incluso los exteriores parecen escenarios pensados más para una obra teatral que para una película, la finca de Julieta Serrano con la vecina de la ventana y el vecino llorando en el balcón, o el taxi, el Mambo Taxi con un genial Guillermo Montesinos de taxista.

No en vano, está inspirada en la adaptación teatral de La voz humana, de Jean Cocteau, y ya lo dice la canción de los créditos: lo tuyo es puro teatro.

Sexta película del director manchego, y segunda de esta nueva etapa más seria sobre amores, dilemas y dramas.

Los paralelismos que pueden establecerse entre La mala educación y La ley del deseo, son tan claros que incluso podríamos hablar de reciclaje de ideas. Y es que, independientemente de la trama principal de la historia, la subtrama de Carmen Maura es prácticamente calcada a lo que veremos años después como hilo conductor de La mala educación, con la transexualidad, la pederastia y la famosa máquina de escribir como objeto fetiche.

Curiosidades aparte, en esta película supo rodearse de actores fetiche y no caer en el error de Matador. Antonio Banderas, Eusebio Poncela y Carmen Maura bordan sus papeles, sin más. Sobre todo esta última, que consigue meterse tanto en la interpretación y caracterización de una transexual, que incluso nos llega a hacer dudar.

Si en Matador, la aparición estelar fue Bibi Andersen, en ésta, aunque Bibiana repita en una escena memorable, hace su entrada otra de las que posteriormente pasaría a ser chica Almodóvar, Rosi de Palma. También nos encontraremos aquí con la famosa escena del "riégame" de Carmen Maura. Regalos visuales, como un plano de una cafetería que parece sacado del Nighthawks de Hopper. Y la famosa canción del final de Qué he hecho yo para merecer esto, apareciendo de nuevo en varias ocasiones como fondo de las escenas más melodramáticas.

La trama, todo un tratado sobre la pasión, el amor y la obsesión enfermiza, esta vez sin elementos paranormales ni esotéricos, aunque sin olvidar cierto punto místico, con la niña pidiéndole favores a la Virgen en un rocambolesco altar que forma parte de la decoración de la casa de Pablo (Eusebio Poncela). Y unos interiores muy cuidados y muy Almodóvar, porque si hay "chicas Almodóvar", también hay "casas Almodóvar", ¿o qué pensabais?

Sin estar al nivel de sus grandes obras, es una película interesante, que hay que ver para comprender muchos elementos de su universo particular.

Tras Qué he hecho yo para merecer esto, a Almodóvar le dio por ponerse trágico y melodramático. En realidad sigue la estela dejada por Entre Tinieblas y su desgarrador final, entrando en un ciclo de películas sobre el amor, la pasión y sus tremendas y tremendistas consecuencias.

Un alumno de una escuela de tauromaquia con poderes paranormales; su maestro torero reconocido y psicópata; la amante del maestro, violada por el alumno; y la abogada del alumno, fanática del maestro. Todo un cuarteto amoroso, o más bien trío, porque el alumno (Antonio Banderas) queda un poco al margen de la trama.

Es curioso, si en Entre tinieblas veía un principio de lo que posteriormente desarrollaría en Mujeres al borde de un ataque de nervios, como película coral y casi teatral de mujeres, en Matador da rienda suelta a la tauromaquia, elemento principal al que volvería años más tarde en Hable con Ella, aunque con un argumento central completamente distinto.

El gran problema de esta película es que sus dos protagonistas (Nacho Martínez y Assumpta Serna) carecen por completo de carisma, y se ven abrumados por un reparto sin igual que quizá entonces no fuera considerado como tal, pero hoy en día visto con perspectiva es un completo recopilatorio del universo Almodóvar: Antonio Banderas, Chus Lampreave, Carmen Maura, Eusebio Poncela, Julieta Serrano, Verónica Forqué y la primera aparición de Bibi Andersen. Terminas más pendiente de los secundarios que de los protagonistas, unido a que la trama policiaca no es precisamente muy interesante, y a la manía de Pedro de seguir metiendo con calzador temas paranormales y esotéricos, como los poderes de Antonio Banderas o el eclipse de sol del final de la película.

En definitiva, una de sus películas menores.

Bueno, ya iba siendo hora de retomar "los viernes con Pedro", que después de recuperar mi disco duro, ya he tenido tiempo de ver las películas otra vez.

Ésta es la última película de la primera etapa de Pedro, una etapa con guiones rocambolescos, personajes surrealistas y un especial gusto por lo soez. A partir de aquí seguirá siendo rocambolesco, pero más comedido y "serio".

Y eso que esta película no deja de ser un drama social con una madre ama de casa, con un marido taxista, dos hijos adolescentes y la suegra, viviendo en una casa pequeña que se cae a cachos, con vistas a la M30, rozando la miseria y con una vecina prostituta. Aunque añadiendo unas buenas dosis de humor ácido. Vamos, lo que venía siendo Aída hasta hace dos días antes de que Carmen Machi se pirara de la serie.

El problema, o quizás la virtud, es haber metido por medio estridencias del tipo: "un hijo de 12 años gay y gerontofílico", "un dentista pedófilo que adopta al susodicho", "una niña con poderes telekinéticos" etc., que si bien en estos casos aportan una dosis bien medida de humor, en otros, como la subtrama de los escritores que quieren falsificar las memorias de Hitler, carece totalmente de sentido y sobra por completo en la trama de la película, aportando más bien poco y siendo las escenas más aburridas del metraje, exceptuando ese "Escritor: ¿Porqué no te maquillas un poquito? Escritora: ¿Por qué no te maquillas tú la polla?".

Subtrama de escritores aparte, la forma de tratar la prostitución, las drogas, el sexo, el feminismo, la violencia de género y las miserias extremas de la sociedad, roza la genialidad. Sin duda el buen papel de Carmen Maura es el pilar básico de la película, sin menospreciar a Chus Lampreave, que tiene las frases más memorables, ni a Verónica Forqué, que siempre hace de sí misma, pero qué bien que lo hace. No faltan tampoco las idas de olla de Pedro, en forma de anuncio de café, de nuevo con Cecilia Roth de protagonista, o el playback de "La bien pagá" consigo mismo y McNamara.

En definitiva, una película interesante y entretenida.

En los primeros minutos de la película parecía que Almodóvar se ponía más serio. Una mujer huye de su piso después de que su novio se muera de sobredosis. El ritmo es lento. El ambiente es decadente, pero sin el punto de vista humorístico de sus dos anteriores películas. Pero de seriedad nada. Al poco rato, Yolanda, la protagonista interpretada por una anodina, poco carismática y peor actriz Cristina Pascual, llega al convento de las Redentoras Humilladas, y empieza el despiporre.

El panorama es absolutamente brutal: cuatro monjas, un cura y la madre superiora. Sor Estiercol, la monja enganchada al ácido; Sor Rata de callejón, la monja escritora de novelas eróticas; Sor Perdida, maniática de la limpieza y con un tigre en el jardín; Sor Víbora, costurera, diseñadora de moda para las virgenes y enamorada del cura; y la Madre superiora, politoxicómana, camella y boyera. Menuda tropa.

Todo esto en un comunidad que recoge a asesinas, drogadictas y putas de la calle, para que se rediman con la humillación y el sufrimiento, o el sadomasoquismo, más bien; y en el que veneran a las grandes pecadoras de la historia.

Es un placer ver junta a tanta actriz importante, a tanta chica Almodóvar, a la genial Carmen Maura, a una jovencísima Marisa Paredes, a la siempre divertida Chus Lampreave, y a Julieta Serrano, la siempre injustamente olvidada chica Almodóvar. Ante el peso de semejante cuarteto de actrices, el personaje de Yolanda pierde pronto todo interés, sirviendo como mera excusa para ir desarrollando los demás personajes e ir avanzando en la historia.

Lo cierto es que, a pesar del planteamiento tan surrealista, la seriedad percibida al principio se mantiene, siendo una película mucho más sosegada que sus predecesoras, con un ritmo más lento, más cuidada en los planos. Almodóvar sigue con sus geniales ideas estrambóticas, pero desde un punto de vista menos alocado y frenético, más dramático, sobre todo con el final, tan frío y casi desgarrador. Y a pesar del ritmo lento de la película, que en ocasiones resulta un tanto tedioso, sigue regalándonos diálogos y escenas geniales, como la de la "Sábana santa - toallita desmaquilladora", o casi todos los diálogos con Chus Lampreave.

Quizás no sea recordada como una de sus principales películas, pero por su planteamiento, por su idea principal, por su teatralidad al mantener practicamente una única localización, y porque es su primera película coral de mujeres, precursora de lo que haría después en Mujeres al borde de un ataque de nervios, merece la pena verla.

P.D.: La semana pasada, debido a mis percances informáticos, no hubo ciclo, pero intentaré ponerme al día la semana que viene, así que permaneced atentos a vuestros monitores, porque antes de viernes publicaré el comentario sobre ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, y ya el viernes seguiremos como estaba previsto con Matador.

Si hace una semana calificaba la primera película de Almodóvar como un divertido disparate, en este caso disparate sí, pero no tan divertido. Y es que la gracia de Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, residía precisamente en lo soez y sexual de la historia y en lo relativamente verosímil que podría resultar. No ocurre así con la trama de Laberinto de pasiones, en la que las aventuras madrileñas de Riza (Imanol Arias), el hijo del emperador de Tirán, y su historia de amor con Sexilia (Cecilia Roth), hija ninfómana de un famoso doctor inventor de la fertilización in vitro, no resultan tan interesantes como las aventuras de las chicas de su primera película.

Las escenas míticas de la primera, aquí se pierden y quedan reducidas a las breves apariciones de McNamara cuando conoce a Riza, en la escena de la fotonovela gore siendo taladrado, o en la actuación con Pedro cantando el Suck it to me; y sus frases, que incluso llegan a parecer completamente improvisadas ("lo sencillo nunca fue moderno, lo moderno siempre es futurista, el futurismo siempre es glitter"). Totalmente genial.

Y mira que ingredientes no faltan: grupos de la movida, una fan que es violada continuamente por su padre, cambios de identidad previa cirugía estética, una ex-emperatriz malvada que pretende seducir a Riza, terroristas islamistas que quieren secuestrarle, traumas sexuales freudianos, etc. Pero al juntarlos todos resulta un pastiche típico de una película de enredo demasiado enredada y deshilachada, con un despropósito de guión. Eso sí, hace honor a su título, es todo un laberinto de pasiones.

Al menos no se hace aburrida entre tanta trama y tanto giro de guión, y sirve para ver los primeros pinitos de Antonio Banderas, a Imanol Arias en un papel en el que hoy en día no imaginaríamos, o a Cecilia Roth sin su acento argentino. Pero poco más.

Entrar a valorar la calidad de la ópera prima de Almodóvar no tiene mucho sentido. La peli es mala, sin más. El hilo argumental es un despropósito, las actuaciones son bochornosas en su mayoría, y la calidad técnica brilla por su ausencia, tanto en imagen como en sonido, doblando nefastamente la mayoría de diálogos. Pero, ¿realmente es eso lo que importa? En absoluto.

Lo que verdaderamente importa en esta película es comprobar como 28 años después mantiene la frescura como el primer día y muestra los inicios de la movida madrileña, con unas situaciones que hoy en día resultan incluso más transgresoras que entonces, y es que, desgraciadamente, pasados los 80 la sociedad se amojigató de nuevo.

Sólo ya las tres protagonistas, Pepi, una rica heredera que cultiva plantas de marihuana y pretendía vender su virginidad por sesenta mil pelas; Bom, una lesbiana punk cantante del grupo Bomitoni; y Luci, una ama de casa, lesbiana y masoquista reprimida; dice bastante sobre la película. Si además el punto de partida es la violación de Pepi por parte del marido de Luci, y la posterior venganza de ésta, provocando que Luci abandone a su marido para fugarse con Bom en una relación sadomasoquista... os podéis imaginar.

La película es una sucesión de gags surrealistas, con escenas míticas en la historia de nuestro cine. De repente una escena de dos amigas haciendo ganchillo se convierte en la famosa escena de la lluvia dorada de Bom a Luci; la escena de los pegamoides y Alaska vestidos de chulapos para pegarle una paliza al marido de Luci, roza la genialidad, incluso se podría tomar como la versión castiza de los drugos de La naranja mecánica; los geniales anuncios de las Bragas Ponte ideados por Pepi, con una jovencísima Cecilia Roth; la actuación de Alaska cantando aquello de "sólo pienso en ti, ¡murciana!, porque eres una marrana"; la fiesta de las Erecciones Generales y la escena de la mujer barbuda; violaciones, palizas, drogas, sexo, diálogos soeces que aparecen como si nada, chaperos, travestis, etc., etc., etc.

Por encima de todo esto, resulta curioso comprobar que la obsesión de Almodóvar por hablar del cine dentro del cine ya le perseguía desde entonces, con la supuesta historia que va escribiendo Pepi sobre la vida de las tres protagonistas a medida que avanza la película. Recurso que luego volvió a utilizar más adelante en La mala educación.

Pedro ha ido mejorando en técnica, argumento, actuaciones y demás, pero obviando esos irremediables aspectos en una película primeriza y hecha con cuatro duros, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón es un claro referente del universo de Almodóvar, de la movida madrileña, y del cine español en general.

Un divertidísimo disparate.

Si todo sigue según lo previsto, el próximo 20 de Marzo se estrenará Los abrazos rotos, la nueva y décimo séptima película de Pedro Almodóvar. Y si no he echado mal las cuentas, quedan 16 viernes por delante hasta el estreno. 16 viernes en los que, además de nuestro habitual y personal repaso a la agenda cultural de Valencia y alrededores, iremos repasando cronológicamente la filmografía del director manchego.

Si queréis apuntaros a esta especie de cineclub virtual, ya sabéis. El viernes que viene empezamos con Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón.