*Release: poner en libertad, hacer público, sacar a la venta.

Estos chicos siempre tan sencillos ellos... Si su primer disco lo llamaron Please porque les pareció gracioso que cuando alguien lo pidiera en una tienda dijera Por favor, me das Por favor, estrenan un disco que se llama estreno. Y tan contentos.

El disco en sí es otra bajada de tono como la que ya vimos en Behaviour. Son canciones lentas y cuidadas, que tanto te pueden hacer papel para escucharlas un día de lluvia tomándote un calentito en casa como para intimar con esa persona o sumirte en la tristeza de la vida si además escuchas las letras.

Aun así me parece un disco muy interesante porque nos deja ver una faceta menos conocida del duo. Comienza con sonidos naturales y poco a poco se va electrizando, aunque manteniendo un punto entre homogéneo y de melodías sencillas y diferenciadas, como es habitual en ellos.  Podemos destacar la imprescindible Home and Dry (cuyo videoclip me parece, además, muy bueno... aunque también debo añadir que a mí el arte conceptual me encanta, así que...), I get along (que a mí siempre me ha parecido como muy Beatles), Love is a catastrophe (genialmente triste) o London y The samurai in autum (que es que a mí las canciones lentas y electrónicas siempre me parecen un reto y una genialidad... si molan, claro).

En general un disco muy interesante aunque no recomendable para según qué ánimos. Genial para escucharlo, relajarse o estar de tranquis, pero para bailar o hacer por animarse, mejor otra cosa.

escúchalo en spotify

Me gusta ver las películas sin saber nada de ellas. Visto lo visto y con los tiempos que corren, resulta bastante difícil, pero bueno, se intenta. En este caso, la verdad, aunque hubiera visto o me hubieran contado algo, tampoco habría pasado nada. La peli es bastante... rara. Y de un raro que a mí, sinceramente me deja un poco igual.

La idea, por lo visto, era saltarse las reglas básicas del cine actual, ya que trata de la labor de un guionista para hacer una película, sus comidas de cabeza sobre la adaptación del guión (de ahí el título), sus dudas, sus problemas personales... y tal y cual. Pero yo la vi y acabé con la sensación de que había visto una americanada total. No por banderitas ni patriotismos, si no porque al final, toda la innovación y la rayada acaba inmersa en escenas de tensiones en plan dramático final. Como cualquier otra, vamos.

La verdad que me parece una pena, porque la idea tiene su punto y hay que reconocer que Nicolas Cage en plan dos papeles no está del todo mal. Está muy feo pero no del todo mal.

En cuanto a ritmo, la verdad que también peta un poco. Resulta bastante espesilla y como que no va a ninguna parte... hasta el trágico final, ya te digo. Si no la has visto, posweno, pero yo no creo que la vuelva a ver. Con una vez tuve bastante tontería.

Travis habían decidido ser definitivamente folkies y estaban enzarzados con The invisible band en uno de sus momentos más dulces comercialmente hablando; Starsailor seguían de resaca tras su Alcoholic; Elbow aún no eran el grupo reconocidísimo por la crítica que ahora son; y Coldplay, convertidos ya en un fenómeno de masas, estaba a punto de sacar A rush of blood to the head, el disco que les llevaría definitivamente a lo más alto para luego caer estrepitosamente.

Era 2002, y Doves publicaba su segundo disco: The last broadcast. El disco es perfecto, sin más. Hasta la Intro y el interludio Where we're calling from. No ya sólo que tenga temas buenísimos, sino que su orden y disposición parecen cuidados con esmero para resaltar aún más el valor de cada canción.

Musicalmente avanzan de un disco etéreo y psicodélico como Lost Souls, a un sonido con menos capas y más accesible. No dejan de lado el britpop en Words y Caught by the river abriendo (tras Intro) y cerrando el disco, ni el folk lo-fi a lo Blur de M62 Song, con coros y reverberaciones incluidas. Pero también se atreven a meter percusiones en There goes the fear, primer single de casi siete minutos, con un carnavalesco final in crescendo, que alargaban hasta entrar en éxtasis en sus conciertos; o en Satellites se rodean de coros gospel, consiguiendo una atmósfera muy emocional; sin olvidarse de la psicodelia en The sulphur man, en la que consiguen llevar su pasión por los samples y las capas de arreglos un nivel más allá, con un resultado grandioso y grandilocuente. NY, inspirada o no en los atentados del 11S, es una de esas canciones en las que el final vuelve a enlazarse con el principio, con un sonido guitarrero y sucio y estructura 6x4, que precedida por Where we're calling from, supone una verdadera explosión de sonido. Aunque para explosión pop, Pounding, inmediata y brutal, muy bien precedida por la acústica Friday's dust, en una especie de "prepárate para lo que viene", e igual de bien seguida con la contenida Last broadcast, que te prepara a su vez para The sulphur man.

Por discos así, da gusto gastarse el dinero.

Creo que esta debe de ser la película "masculina" de Pedro que más me gusta. Seguramente sea porque los dos protagonistas tienen una extraña combinación de heterosexualidad y feminidad, que los hace tremendamente atractivos.

El error, el grandísimo error de esta película, es su comienzo. La historia con Rosario Flores (Lydia) es absolutamente innecesaria, no aporta nada a la historia y no se me ocurre ninguna justificación para introducirla excepto la meramente estética, por lo preciosista de las escenas del mundo del toreo. A cambio de esa discutible justificación, tenemos que tragar con las actuaciones de Rosario Flores y Adolfo Fernández (El niño de Valencia), sin duda lo peor de la película.

Por suerte, a partir de que Rosario se queda en coma y aparece Javier Cámara (Benigno) en escena, empieza la grandeza de la historia. La química entre Javier y Darío Grandinetti (Marco) es tremenda, la contraposición de ambos personajes, lo contradictorio de sus personalidades, lo creíble que resulta su amistad.

Siempre he pensado que la historia debería haber empezado con la llegada de Lydia al hospital y habernos presentado el personaje de Marco a modo de flashbacks, cargándolo de misterio al principio, para ir deshilachando el personaje poco a poco. Cosa que sí vemos con Benigno, que se nos presenta desde el principio como el amable y atento enfermero que todos desearíamos encontrar en un hospital, para ir poco a poco ahondando en su verdadera historia, su inocencia, sus miserias, su soledad y su lado más oscuro. Un Javier Cámara que está perfecto, muy lejos de su faceta televisiva, en un papel que por desgracia no ha vuelto a repetir.

Por contra, Darío tiene que soportar la primera parte con Rosario Flores, y no es hasta su encuentro con Javier Cámara cuando su personaje encuentra un equilibrio que permita sacar a la luz sus capacidades interpretativas.

A pesar de todo, es, junto a Todo sobre mi madre, su película más madura, donde además se atreve a experimentar con las formas narrativas, estructurando la película en tres partes, pero sin mostrarnos nada de la tercera, dejándola completamente abierta y finalizando así el film.

Siguiendo con la reorganización y desglose de las antiguas entradas entradas que he dedicado a discografías completas de algún artista, tras empezar con los Scissor Sisters la semana pasada, hoy le toca el turno a Peter Björn and John.

A Peter Björn and John se les conoce mundialmente por Young Folks (la p*** canción del silbidito), pero mucho antes de que la cancioncita terminara pasto de politonos y aburriéndonos hasta a los que nos gustó en su día, estos tres músicos y productores suecos ya habían sacado dos discos.

El primero de ellos se publicó hace ya seis años, y es uno de esos discos a los que vuelvo cada cierto tiempo, porque, aunque musicalmente no invente nada, reune un total de diez temas con un orden cuidado y un resultado bastante compacto. Vamos, de esos discos que se prestan a escucharlos de principio a fin.

Musicalmente suena a revival sesentero por los cuatro costados, con un sonido lo-fi en la producción que incrementa aún más esa sensación. Además de los temas con más clara influencia de los 60, como la frenéticas I don't know what I want us to do, Matchmaker o Education circle; o la más calmada Failing and passing y People they know, con la presencia de unos teclados con una textura totalmente vintage. También hay cabida para baladas con un sonido folk americano, como Mutual misunderstanding, la melancólica balada a piano From now on, y sobretodo Collect, select, reflect. Y tampoco se dejan de lado la parte más psicodélica de los sesenta con la increible 100m of hurdles. Y cierran perfectamente el disco con la delicada Please, go home.

Apuntaban maneras. Vaya que sí.

Seis años hace ya desde que Maga sacara su disco debut. Titularlo Blanco es más una cuestión práctica, porque en realidad ninguno de los tres discos que llevan publicados tiene título, y para diferenciarlos se les ha bautizado extraoficialmente con el color correspondiente (Ya van Blanco, Negro y Rojo).

Blanco fue en su día todo un descubrimiento. Apadrinados por los fans de Los Piratas, Maga comparten varios puntos esenciales (jugueteo con bases electrónicas, letras surrealistas,...) aunque el resultado final es bastante distinto, más épico y minimalista en el caso que nos ocupa.

En su día tuve una relación amor/odio con estos tres sevillanos, y es que al principio cuesta hacerse con la característica voz del cantante. Me resultaba un tanto irritante, pero supongo que con el tiempo terminé acostumbrándome a ella.

El disco abre con Diecinueve y Agosto esquimal, los dos temas que les dieron a conocer y les encumbraron en su día, y con razón. Diecinueve es una delicada canción de amor, potenciada por las bases electrónicas (... y dormíamos tan juntos que amanecíamos siameses. Y medíamos el tiempo en latidos...). Agosto esquimal, más quitarrera y con arreglos de cuerdas (... voy nadando a mariposa entre tus manos, mi pequeña esquimal...). La inmediatez de estos dos temas no se repetirá hasta Primer vuelo, penúltimo tema del disco. Y entre medias se van alternando temas más rockeros como Piedraluna o Swan, otros más minimalistas como Celesta o Intentos de color, y otros a medio camino donde los arreglos de cuerda y teclado se hacen más protagonistas como Como nubes a mi té, Helás (Mañana), con un estribillo tremendo, o Dormido, desgarrador y oscuro.

Además, encontramos dos interludios: Miniver, incluido en Piedraluna, un particular y minimalista reprise/medley de Diecinueve y Celesta, y Minimor, incluido en Como nubes a mi té, igual de minimalista que el primero y en el que no soy capaz de identificar ningún fragmento de otro tema, si es que lo hay.

Para finalizar, el disco cierra con Vacaciones de un minuto, tema corto y acústico en el que entre frases costumbristas e introspectivas, aparecen Amelie, el Vespertine de Björk, o Ulises y Martina de Son de mar, novela de Manuel Vicent llevada al cine por Bigas Luna. Me encanta cuando en una canción salen referencias al cine, la música o la literatura, y se utilizan como un concepto que incluye multitud de sensaciones.

escúchalo en spotify