El martes que viene saldrá la venta su quinto disco de estudio, tres años después de este Writer's block, que les llevara a la fama entre otras cosas por el radiado y silbado hasta la saciedad Young folks. Aún recuerdo la sensación, recien descargada, después de haberla escuchado mil veces en Siglo XXI en Radio3.

Tres años han pasado desde entonces, con un cuarto disco de estudio por medio, completamente instrumental, que no he tenido la ocasión ni las ganas de escuchar todavía.

Canción del silbidito aparte, lo grande de este disco es que va más allá en muchos aspectos, superando el éxito inmediato y multitudinario de Young folks, desde la épica melancólica con tintes noise de Objects of my affection y Start to melt (mis preferidas); la peculiar Amsterdam, transformada en una delicada pieza en los directos; el increible pasaje de psicodelia pop de Up against the wall; el folk amable de Paris 2004; el pop más sixtie de Let's call it off; la acelerada Chills; el folk épico de Roll the credits o el decadente de Poor cow, que cierra un disco lleno de matices e influencias.

Fue uno de los discos de 2006, y con razón, no en vano fue la consagración de un grupo con dos discazos previos, que sirvió para llevarlos de gira por todo el mundo. Lástima que se hayan echado a perder.

No entiendo por qué mucha gente dice que esta película está sobrevalorada. Después de venir de tres dramas, quizás ponerse a hacer una comedia más o menos ligera fue un contraste que muchos no sabieron entender, y vale, Volver no es Mujeres al borde de un ataque de nervios, no llega a la maestría de esa comedia, pero en conjunto para mi es una película muy buena y muy necesaria para tomarse un respiro de tanto drama en su filmografía.

Y es que por más que lo pienso no le encuentro defectos. Quizás una Penélope que en ocasiones cuesta de creer en su papel de madre soltera barriobajera, no por su interpretación, que es buena, sino porque deslumbra con su presencia, y también porque a su alrededor tiene un reparto de actrices y personajes de los que hacía tiempo que Pedro no conseguía juntar. Blanca Portillo con un personaje dispuesto para su lucimiento interpretativo, Lola Dueñas absolutamente increible, una correctísima Yohana Cobo, pero sobre todo, el esperadísimo regreso almodovariano de Carmen Maura, que le basta simplemente aparecer en plano para llenar la pantalla.

Una vez más, Pedro se maneja con maestría entre mil y un géneros, comedia, drama, intriga... y si en La mala educación hizo catarsis de su infancia escolar, en Volver representa el ambiente de los pueblos de La Mancha con tal realismo que llega a asustar. Sin duda un acercamiento a su infancia mucho más amable y positivo que el que nos entregaría en su anterior largometraje, en el que por encima de los celos, los asesinatos, los abusos paternales,... hay una ternura que lo inunda todo.

Atrás quedan los saltos temporales, la estructuración poética y las complicadas tramas y subtramas, para dar paso a una sencilla historia lineal puesta al servicio de los personajes y sus interpretes y al servicio del universo almodovariano, en el que se vuelven a mezclar complicadas relaciones materno-filiales, soledades, conflictos pasados, dificultades económicas,... en un repaso y auto homenaje a muchos de los personajes de su filmografía, desde el ama de casa de Qué he hecho yo para merecer esto, las prostitutas de Todo sobre mi madre, las historias y el ambiente de pueblo de La flor de mi secreto, el deambular desesperado de Penélope como en su día hizo Carmen Maura en Mujeres al borde de un ataque de nervios,...

En definitiva, una vuelta a su pasado y a su filmografía para retomar todo lo característico de su cine y llevarlo más allá.

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Como ya comenté hace unos días, el disco de remixes de 10.000 metrópolis marcó un punto de inflexión en el sonido de Dorian. Les picó el gusanillo de probar con música más bailable, alejándose así de la experimentación y las atmósferas etéreas y crípticas de su debut.

De ahí surgió El futuro no es de nadie, publicado en 2006, con un primer single Cualquier otra parte, radiado hasta la saciedad en Siglo XXI de Radio3, pegadizo hasta decir basta, todo un tema de electropop melancólico con una letra genial.

Lo cierto es que el disco tampoco es un conjunto de temas destinados a las pistas de baile, porque además de los temas más bailables, como El futuro no es de nadie, La noche espiral o La playa bajo el asfalto; el resto del disco se mueve más entre el rock de Más problemas o Al final de la escapada, y el pop de Cualquier otra parte, Tan lejos de tí, Dicen o la etérea y melancólica Corta el aire, mi preferida. Hablando de rock y pop siempre desde una base electrónica, claro. El disco cierra con Desorden, un inmenso pasaje instrumental con un sutil crescendo de instrumentos (desde que la escuché, tengo una idea para un videoclip de animación con esta canción que he de terminar haciendo algún día), y para terminar, el remix de El futuro no es de nadie, con el que empiezan los conciertos a modo de introducción.

Curiosamente, son los temas más bailables los que tienen unas letras más políticas o reivindicativas. Reivindicaciones manidas y sencillas, con frases cortas y contundentes, directas, que quizás sonrojen a algunos, pero a mi me parecen geniales (que tampoco me los imagino haciendo canción protesta, ni falta que hace).

En definitiva, un disco en el que dejan de lado su faceta más experimental, con un resultado más inmediato o comercial, según quiera verse, y que entra a la primera. A mi me engancharon totalmente.

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Lo tenían difícil para superar su primer disco, y no lo lograron. El principal error fue el que cometen muchos grupos con su segundo disco, de repente han triunfado con su disco debut y cuentan con más posibilidades para tener una mejor producción en el segundo. Y les queda un disco mucho mejor producido, sí, pero sin la frescura y la inmediatez del primero.

Por otro lado, las letras de este disco no desprenden esa atmófera irónica y soez del anterior, y se centran mayoritariamente en el amor, que puede dar mucho juego y más con la capacidad de Jake y Babydaddy para escribir versos ingeniosos, pero que al final termina resultando cansino. Se echa de menos el carácter tan urbano que tenían en general las letras del primer disco, como las de Take your mama, Lovers in the backseat, Tits on the radio o Filthy/Gorgeous.

Aún así, el disco sigue haciendo gala de un sonido disco, glamrock, incluso funky; y no faltan grandes temas, desde el single I don't feel like dancing (con Elton John al piano), She's my man (que lo mismo podría valer como himno transexual o como oda a las mariliendres), la increiblemente setentera Lights, el necesario baladón eltonjohniano de Land of a thousand words, la glamurosa Kiss you off, la mariconada discofunk de Ooh, la genialidad del sueño con Paul McCartney, la sensualidad ochentera de la buenísima The other side, y el cierre glamrock de Everybody wants the same thing.

Pero por desgracia se les ocurrió ponerse cabareteros y circenses y parieron cosas como I can't decide o Intermission, que dan un poco de vergüenza ajena y que, si por lo menos tuvieran una letra divertida y absurda, harían su papel y no quedarían absolutamente fuera de lugar. Por no hablar de la anodina Might tell you tonight, que la salvaría de la quema de no ser porque en la edición especial del disco incluyeron un segundo CD con cinco descartes (y un remix de I can't feel like dancing), algunos de los cuales aportan bastante más.

De hecho, Almost Sorry podría haber funcionado perfectamente como canción de cierre o sustituyendo a cualquiera de las dos carabaretadas, Transistor es un temazo rock sucio que fue incluido como bonus track en la edición británica, y Contact High no se queda atrás teniendo en cuenta que la versión incluida es una demo. Sólo Hair Baby y Making Ladies son temas menores o demasiado festivos y petardos, y quizás hubieran terminado saturando el disco. Del remix, sólo destacar que es obra de Paper Faces, es decir, Stuart Price, culpable, entre otras muchas cosas, del Confessions on the dance floor de Madonna, además de ser el director musical del Re-Invention Tour y el Confessions Tour. Casi nada. Algún día hablaré de su disco Darkdancer, del cual estuve enganchado bastante tiempo.

En fin, volviendo a los Scissor Sisters, sin ser superior al disco debut, Ta-Dah es un buen disco y un decente sucesor. A ver qué hacen en el tercero.

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El tercer disco de Maga, y último hasta la fecha, es el más directo de los tres. Además, es el disco de las colaboraciones, contando con la guitarra de Florent de Los Planetas en Pasó el cometa, y las voces de Andre Echeverri de Aterciopelados en El cristal por dentro, y de Germán Coppini en Trampa en la boca, con el que este verano han colaborado en algunos conciertos.

Los temas ganan en inmediatez, con una instrumentación mucho más directa, sin bases electrónicas y con más importancia de las guitarras y el bajo. Pero eso mismo hace que pierdan carácter, unido a que melódicamente este es un disco menos original que los dos primeros.

Las letras, eso sí, se hacen aún más introspectivas y surrealistas, aunque esto más que ayudar, supone un obstáculo por la dificultad que supone empatizar con lo que dicen, encontrando al menos una interpretación personal. Además, aunque musicalmente encontremos estribillos, estrofas y puentes en una estructura más o menos convencional, no pasa así con las letras en la mayoría de los temas.

Aún así es un disco bien conjuntado, abriendo con Al dictado y Dardo y Alicia, poniendo el contrapunto calmado y preciosista con El cristal por dentro. Continuando de nuevo con dos canciones más guitarreras: Hormiga y Pasó el Cometa; y metiendo de nuevo un contrapunto con la escueta Año nuevo, el único tema que suena denso y oscuro, muy al estilo del anterior disco. Tras ella de nuevo retomamos el ritmo con el que para mi es el mejor tema del disco, Mi casa de pájaros, quizás porque sea el más etéreo y con el que encuentro una empatía más clara en la letra. Con Trampa en la boca mantenemos el ritmo y tras ella nos encaminamos al final del disco con Nautilus, La otra mitad y Nada nuevo bajo el Sol, con las que desgraciadamente el disco se va desinflando, cayendo en repeticiones de fórmula en melodía e instrumentación, que hacen que el tramo final resulte un tanto indiferente.

Aunque al principio no llame tanto la atención como sus dos predecesores, lo cierto es que acaba mejorando con las escuchas, aunque no al mismo nivel. Y se echa en falta la electrónica y temas que hagan el disco menos homogéneo.

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Glen Hansard es un músico irlandés autor de casi la totalidad de temas que componen la banda sonora de "Once". Tras 16 años de carrera musical junto al grupo The Frames, 7 álbumes de estudio, 2 en directo y una larga lista de EP's y singles, en 2006 decide publicar un disco en solitario "The Swell Season", año en el que también saca "The Cost" con The Frames, y protagoniza la película Once, de John Carney, antiguo componente de The Frames, durante el rodaje de la cual conoce a Markéta Irglová, coprotagonista de la película y colaboradora en su disco en solitario y en la banda sonora de la película (aparte de ser su actual pareja). Vamos, todo un año.

Es curioso comprobar como dos temas: "Falling Slowly" y "When Your Mind's Made Up"; coinciden en "The Swell Season", la banda sonora, y "The cost" el disco de The Frames. Ambas ganan en potencia en el disco de la banda, y como es lógico, pierden la delicadeza del piano y las cuerdas, sobre todo el segundo tema.

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La banda sonora abre con "Falling Slowly" el tema principal de la película; sigue con "If you want me" el tema al que Markéta pone letra; "Broken Hearted Hoover Sucker Guy" extraído tal cual de la película, tema que Glen improvisa en la escena del autobús; "When Your Mind's Made Up" una canción tremenda, melancólica, envolvente, perfecta, que es la primera que graban para la maqueta en la película; "Lies" otra canción genial, con una irónica letra; "Gold" tema de Interference, grupo irlandés que publicó un disco con esta canción en 1995, y que cantan junto a Glen en la película, en medio de una reunión de músicos; "The hill" la canción que Markéta compone para su marido; "Fallen from the sky" un tema con tono naif, sobre todo por la base de teclado Casio, que cuando lo escuché en la película me llamó la atención; "Leave" todo un tema acústico; "Trying To Pull Myself Away" que no recuerdo de la película, pero es genial; "All The Way Down" acústica, sencila y melancólica; "Once" que cierra los títulos de crédito; y "Say It To Me" desgarrador tema, que es el que hace que Markéta se acerque a Glen aquella noche que le escucha cantándola, y que es el que pone el punto de partida en esta historia.

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Y en "The Swell Season", aparte de los temas coincidentes, que son "Falling Slowly", "Lies", "When Your Mind's Made Up" y "Leave"; encontramos temas como "This Low", sencillo y perfecto para la entrada del disco; "Sleeping" que me suena haberlo oído en la película, pero que no está incluido en la banda sonora (igual me equivoco); "Drown" con un ritmo fluido y envolvente de la guitarra acústica, las cuerdas y el piano; la instrumental "The Swell Season" que da nombre al disco; y "The moon" y "Alone apart" que cierran el disco, a duo la primera y un sólo de Markéta la última.

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Por hacer comparaciones odiosas, me recuerdan a partes iguales a David Gray, Damien Rice y Turin Brakes; y está claro que no han inventado nada nuevo en la música, pero al menos tienen el don de hacer canciones que consiguen emocionar y que son agradables de escuchar, cosa que hoy en día es todo un logro. Aparte de que es imposible ver "Once" y no enamorarse de Glen Hansard (sobre gustos...).

Vuelvo,... después de dos meses, de unas vacaciones... mejor no las describo, total... Y estreno sección, porque he tenido un verano lector, como todos los veranos en los que uno tiene más tiempo y se puede dedicar a terminar alguna de las novelas que tiene empezadas (serán unas 7).

Este fin de semana terminé El niño con el pijama de rayas, de John Boyne. Y bueno... podría ponerme a destriparlo, pero os voy a copiar la sinópsis para que entendáis por qué voy a pasar de sacar cuchillo y tenedor y descuartizarlo cual filete de lomo. La sinópsis dice así:

Estimado lector, estimada lectora:

Aunque el uso habital de un texto como éste es describir las características de la obra, por una vez nos tomaremos la libertad de hacer una excepción a la norma establecida. No sólo porque el libro que tienes en tus manos es muy difícil de definir, sino porque estamos convencidos de que explicar su contenido estropearía la experiencia de la lectura. Creemos que es importante empezar esta novela sin saber de qué trata.
No obstante, si decides embarcarte en la aventura, debes saber que acompañarás a Bruno, un niño de nueve años, cuando se muda con su familia a una casa junto a una cerca. Cercas como ésa existen en muchos sitios del mundo, sólo deseamos que no te encuentres nunca con una.
Por último, cabe aclarar que este libro no es sólo para adultos; también lo pueden leer, y sería recomendable que lo hicieran, niños a partir de los trece años de edad.

Fuera de que esto pueda ser una técnica comercial para picar el gusanillo a los lectores, en cierto modo tienen razón. Y es que es mejor aproximarse al libro con mirada inocente, inconsciente incluso, como la mirada inocente e inconsciente que tiene Bruno del mundo que le rodea. Sólo voy a decir que es un libro tremendamente bien escrito, fácil de leer, directo y sencillo,... y quizás sea eso lo que lo hace tan inmenso, en todos los sentidos. Es uno de los mejores libros que me he leido en mi vida, si no el mejor, y no exagero.


"Como decir que me partes en mil, las esquinitas de mis huesos, que han caido los esquemas de mi vida, ahora que todo era perfecto, y algo más que eso, me sorbiste el seso y me desciende el peso, de este cuerpecito mio, que se ha convertido en río..." (Bebe)

Tras 17 días sin hablar de nada (demasiados "hoy" callado) y enfrascado en la tediosa faena de destripar el dichoso y personalísimo código de los artilugios Blogger, para poder llegar a este nuevo y personal diseño... es hora de volver y hablar de Mendetz.

Con un disco homónimo publicado en 2006 por Sinnamon Records, para muchos fueron la revelación del año pasado, para mi lo está siendo ahora. A medio camino entre el sonido robótico retro de Daft Punk, las guitarras de Franz Ferdinand y el punk de !!!(Chk, Chk, Chk), su música tiene un objetivo claro, pasar un buen rato bailando, sin más preocupaciones. Estos Barceloneses definen su música como "Casio-punk", para hacerse una idea de como suenan, teclados Casio (obvio) y Punk, al menos la intención, porque los temas son demasiado largos para considerarse Punk (¡purismos no!). Con un single convertido ya en todo un hit, FutureSex (corte 5 del disco), no puedo destacar algunos temas del disco por encima de otros, porque todos tienen algo (venga va, el corte 7, Maximo Truffato, me gusta especialmente).

A ver si son capaces de mantenerse.

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Hoy toca hablar de Arcade Fire... y de la emotividad y épica que transmiten a raudales en su música, y de lo especial que es la voz de Win Butler, capaz de susurrarte levemente o dejarte pegado a la silla cuando sube el tono en unos crescendos fugaces y repentinos que ponen la piel de gallina.

Canadienses y fundado por el matrimonio Win Butler + Régine Chassagne, en el escenario llegan a ser toda una multitud, con una cantidad y variedad de instrumentos considerable, encargada de llenar de matices cada rincón.

Con un primer disco "Funeral" elogiado hasta la saciedad (y con razón), se presentaron el pasado Marzo con su segundo trabajo "Neon Bible", abriendo con la increible "Black Mirror", con joyas dentro como "Keep the car running", "Ocean of noise", "Intervention" (con un órgano de iglesia que inunda todo), "The well and the lighthouse", y cerrando con la desgarradora "My body is a cage", sin ser menos todas las que no nombro y que completan uno de los "45 minutos" más especiales que he escuchado.

En Julio flotaré.

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