Bueno, bueno, bueno, qué película! La verdad es que tampoco se va a convertir de pronto en la película de mi vida, pero igual es que me habían hablado bastante mal de ella, lo que aprendí sobre el cine de serie B con lo de Rocky Horror o que tenía el día tonto, pero me reí y la disfruté un montón.

A ver, es lo que te digo, que ni hay que buscar argumento ni lógica ni nada de nada. Directamente es una película de zombies que comen cerebros y hay un grupo de personas que pueden cargárselos. No le busques más pies al gato que no tiene. De hecho, en un momento se cargan una escena entera y no pasa nada. Porque estamos aquí para ver matar zombies, no para calentarnos la cabeza con chorradas, claro que sí.

Sobre la ambientación, la verdad es que queda un poco raro el combinar la textura de película antigua (rayones, pelos en la lente, coloraciones raras de vez en cuando...) con esos efectos especiales (bastante cañeros, he de decir) en una situación temporal actual (de hecho se nombra a Bin Laden, no te lo pierdas). Pese a todo (que digo yo que a veces se pasan un poco con tanto envejecimiento de la película), el resultado es cuanto menos interesante.

Ahora quedará ver Death Proof, la película anexa a esta, y ver qué tal también. Y el hecho de que las pongan siempre juntas tiene su lógica y es que, como te digo, tiene mucho de serie B. Y qué es eso, exactamente? Pues resulta que a partir de la crisis del 29 (y más tarde añadiendo la crisis del cine por la aparición de la TV), los estudios decidieron hacer sesiones dobles para que la gente fuera más a ver pelis. Entonces teníamos la sesión A, de estreno, y la sesión B, de poco presupuesto y tal y cual. De ahí que hayan puesto las dos a la vez hasta para ir al baño, por rememorar las sesiones dobles de serie B.

Y a mí me mola todo este rollo, así que...

Siempre me he preguntado cuál fue el problema que tuvo la crítica con este disco, que por no ser, no fue ni vapuleado, cayendo en un ostracismo total.

No voy a ser yo el que defienda a Astrud, que para eso ya tienen fans, no muchos, pero fieles hasta las trancas. Hace tiempo leí por ahí que Astrud tenían una doble faceta genial/irritante, y siempre me ha podido más la irritante. Una dualidad casi bipolar, con temas que han pasado a ser himnos personales o temas que detesto irracionalmente, sin lugar para el término medio.

El caso es que después de tres discos y un recopilatorio de caras B y rarezas, en 2007 de repente llegó el término medio, y en Tú no existes me encuentro con el disco de Astrud del que más canciones soporto. Términos medios como El miedo que tengo, Son los padres, Por la ventana, Paliza o Noam Chomsky. Himnos directos como El vertedero de San Paulo, Minusvalía o Acordarnos. Y genialidades como cerrar con una instrumental, Ningún tesoro, y soltar a mitad "una instrumental para que asimiles lo que acabas de escuchar".

Obviamente, no se olvidan del lado irritante, y Los otakus y Un millón de amigos son de las que no soporto, pero son 2 de 11 al fin y al cabo.

¿Que después de cuatro discos ya no sorprenden? Pues sí, pero ya quisieran muchos seguir sacando himnos o temas buenos con semejantes letrazas después de cuatro discos.

Si cuando hablé de Maniobras de escapismo puse fragmentos de las letras, con Cuentos chinos para niños del Japón sería imposible, porque tendría que copiar letras enteras.

El quinto disco de Love of lesbian, segundo en castellano, llegaba con el listón bien alto de su predecesor, pero un estado de gracia parecía acompañarles, y fueron capaces de sacar un disco aún más inspirado, con un sonido más depurado, un pop preciosista e impecable, y con unas letras perfectas.

Los temas de nuevo se dividen en dos vertientes completamente diferenciadas, los emocionales por un lado, y los descarados y gamberros por otro.

La carga emocional predomina al principio del disco, los cuatro primeros temas: Universos infinitos, La niña imantada, Noches reversibles y Los colores de una sombra; son demasiado intensos como para soportarlos estoicamente si tenemos un mal día, no recomendados para escuchar por la calle en estados de desamor y bajón anímico, porque seguramente te pongas a llorar en el tranvía, y no es plan. Son de esas canciones trascendentes, grandiosas, delicadas, con melodías que se integran a la perfección con las letras, con letras en las que no sobra ni una sola palabra, en las que cada verso podría ser enmarcado, en las que cada estrofa, cada estribillo, te destroza completamente por dentro.

Tras semejante entrada, nos dan un poco de tregua con Un día en el parque, versión libre de A day in the park del Is it fiction? (¿Harán más versiones de sus discos en inglés en próximas entregas?), convertida en una canción acústica y con un sonido más americano. Y tras ella, llegan los temas descarados y surrealistas. Villancico para mi cuñado Fernando es una genialidad, porque es complicado hacer canciones así, no caer en el ridículo, y encima hacer reir; Shiwa podría ser el himno de una comuna hippie, llena de positivismo; y Me amo es... es... es... una canción decicada al espermatozoide que quedó segundo, que lo mismo podría ser una canción decicada a todas esas personas que nos han jodido en la vida, o en definitiva, una canción dedicada a nosotros mismos. Porque yo lo valgo.

Hoy voy a decirlo: ¡cómo me amo!
Y tú ya no puedes hacerme daño.
Soy un ser divino. Ven a adorarme.
¡Qué buena suerte amarme tanto!

Con Historia de una hache que no quería ser muda volvemos a la faceta emocional, aunque no con la intensidad de los primeros temas; pero de eso ya se encarga La parábola del tonto, una petición desesperada de perdón, de segunda oportunidad, de desmostrar cambios, y de ver que ya no hay solución, que se va. Sin estribillos, sin concesiones y con un crescendo final inmenso.

Tras el paréntesis emocional y un Momento de reflexión de 40 segundos, volvemos a los temas surrealistas, o más bien sociales, porque Dios por dios es cuatro es un curioso análisis sobre la juventud, los desfases, la religión y el borreguismo; y tras otro Moment de reflexió de 15 segundos, cierran el disco con la versión en catalán de Shiwa.

El único pero serían esos dos momentos de reflexión, que le restan continuidad al final del disco, pero en la era del mp3, es un mal menor de fácil solución.

En definitiva, y usando la palabra mágica, un disco im-pres-cin-di-ble.

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Llevo desde Junio escuchando este disco totalmente convencido de que era el Narrow stairs de Death cab for Cutie. Y es que estos alemanes decidieron colar la mayor parte de los temas de su disco como un fake del nuevo disco de los de Ben Gibbard en las redes p2p, el día de April's fool (como los santos inocentes de aquí). Y les ha salido bien, desde luego.

Dudo que haya algún fan de Death cab for Cutie que no les haya escuchado, apuesto a que muchos todavía no se han dado cuenta, como yo hasta hace tres semanas, cuando empecé a escribir la reseña y se me ocurrió buscar las letras y... ¡no coincidía ninguna! Bueno, ninguna no, que fueron listos y metieron I will possess your heart en el mismo orden que en el disco original. El caso es que la voz del vocalista es tan parecida a la de Ben Gibbard y el estilo musical es tan similar al sonido de los primeros discos de Death cab for Cutie, que coló perfectamente. Vaya si coló. Llegué a pensar que Narrow Stairs iba a suponer un retorno a los inicios, y luego me llevé la sorpresa.

El disco abre y cierra con dos temas cortos respectivamente, Prologue: Plastic Cups y Epilogue: Night Swimming; y un interludio, Interlude: The DJ Affair; con la intención (o no) de darle al disco cierta entidad conceptual, y se caracteriza principalmente por un sonido más guitarrero y oscuro que el que venían haciendo Death cab for Cutie en sus últimas entregas (incluido Narrow stairs)

After the K.M. tapes (que en el fake no aparece, porque en su lugar estaba I will possess your heart) reabre el disco con mucha fuerza en las guitarras. The drummer goes berserk, enlazada con la anterior, con una base electrónica y unos teclados que guían el tema y le dan una textura sonora que recuerda bastante a The notwist.

The getaway es un tema a piano tremendo, con unos crescendos contenidos y una melodía delicada que pone los pelos de punta si te dejas llevar. Con Come 'round here no more ponen el contrapunto shoegaze, con un colchón de guitarras. Un tema que al principio, pensando que era de Gibbard, me sorprendió gratamente, y ahora sigue haciéndolo. Y con 3 kids home, volvemos al piano, a los crescendos y a un pop emocional que vuelve a poner los pelos de punta.

Tras Interlude: The DJ Affair, con un sonido acústico y suave al igual que el primer y último tema, llega Drink up girls, el tema más épico del disco, de nuevo haciendo uso de crescendos que desembocan en una explosión de guitarras y cuerdas. Quizás, mi tema preferido del disco. Summer of '88 es un tema con estructura 6x4 que siempre da un punto original melódicamente hablando, sin crescendos ni florituras épicas, el tema avanza entre estrofas tranquilas y estribillos con guitarras. Simple, pero efectivo. Y enlazado a él le sigue Firework special, un tema más lento, dividido en dos, con una primera mitad más oscura y una segunda mitad más melancólica que va subiendo poco a poco.

Con The big lay off encaramos el final del disco, un tema potente, con una percusión acelerada en las estrofas, y una explosión de guitarras y percusión marcada en los fragmentos entre estrofas y en un estribillo (si se le puede considerar como tal) que no entra hasta el tramo final. An all over night, tranquilo, suave y emocional, sirve como contraste y para dar paso a Epilogue: Night Swimming con el que cierran el disco.

Lástima que sólo esté editado en Alemania y no tengan la suficiente repercusión como para terminar viniendo a España en concierto, porque seguro que sus canciones crecen aún más en directo.

Lo cierto es que es mejor disco que Narrow Stairs, para qué negarlo.

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A esta sueca la conocía desde hace un año, pero le empecé a prestar más atención desde que supe hace ya dos meses que iba a venir de telonera de Madonna, y tiré de críticas por un lado y por otro, para recordar a qué me atenía.

Desgraciadamente no me ha terminado enganchando tanto como a los autores de ambas críticas, quizás porque los temas más electrónicos (o electronic-hop, como dice Gatchan) con los que empieza el disco son curiosos (Konichiwa bitches y Cobrastyle), pero luego el pop de Handle me, Bum like you o Be mine! nunca ha sido santo de mi devoción (se lo consiento a Madonna, y que no se pase), que encima van las tres seguidas y se me hacen un poco eternas. O de repente salen cosas como Crash and burn girl o Robot boy, que no me dicen nada (aunque el puntito funky de la primera tiene su aquel, para hacer el ganso un rato). El tramo final del disco, con Eclipse, Should have known y Anytime you like una delicada balada a piano la primera, un medio-tiempo totalmente R&B la segunda, y otra delicada balada con una minimalista base la tercera, no hacen mal su papel, pero a estas alturas del disco estaba complicado convencerme.

Eso sí, no voy a negar que With every heartbeat y Who's that girl en el tramo central del disco son dos absolutos temazos (me voy a tener que cagar en mi concepto de disco y hacer un recopilatorio donde incluirlas). With every heartbeat engancha desde el primer segundo, en una perfecta combinación de cuerdas y una base y teclados absolutamente trance, en un crescendo increíble, eso sí, coincido en que deberían haberla alargado un poco más. Ya que te pones a hacer crescendos trance, expláyate un poco. Y Who's that girl es la perfecta mezcla entre el electro de ahora y el de los ochenta ("que despreciaron en RCA. Palurdos." Caniche dixit. Y un servidor secunda.)

En concierto me convenció menos, y es que las canciones perdieron sus particularidades al ser todas filtradas por el sonido de los instrumentos en directo, sonando un conjunto de temas bastante monótono. Claro que llevaba 33 horas haciendo cola, pasando toda clase de inclemencias estresantes desde primera hora de la mañana, y, en el fondo, allí estábamos todos para ver a Madonna... y eso influye, claro.

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Podría decir que Tupelo Honeys es la última banda pop que ha llegado de Suecia con su disco debut Salute You, pero sería injusto, porque la banda liderada por los hermanos Joel y Linn Edin, gemelos, chico y chica, no son una banda más.

Al principio, pensé que sería un grupo poppie con canciones poppies, como la mayoría de los que llegan de aquellos lares. Pero para mi sorpresa, no sólo me he encontrado con trayazos de un pop clásico y luminoso como Boy you're all right, Oh what a day, The return of the weeping man o Nothing nothing nothing, de los que entran a la primera y te quedas pegado a sus melodías, sino que a mitad de disco aparecen con cosas como Andy are you sure? o Without my princess, dos temazos épicos y oscuros que perfectamente podrían ser de Arcade Fire, con la voz quebradiza de Joel subiendo en varios crescendos junto con la percusión y las cuerdas, y los correspondientes coros de la delicada voz de Linn. Voces que, por cierto, empastan a la perfección entre sí. Será la famosa complicidad entre hermanos gemelos.

Que seis de los diez temas del disco sean geniales, ya es todo un logro, aunque lo cierto es que los otros cuatro no se quedan atrás, y lo más gracioso es que después de leer varias críticas, en cada una destacan unos temas u otros, lo cual dice bastante en conjunto del disco. Seven o'clock hace de perfecta canción de apertura. Moonlight serenade, cantada por Linn, es una balada pop clásica perfecta que hace de contrapunto perfecto entre Boy you're all right y Andy are you sure? Y In her sphere y Le grande cierran decentemente un gran disco con un toque a medio camino entre el pop épico de Arcade Fire, y el glam y la psicodelia de Bowie.

Que la inspiración les acompañe.

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Clicka me mataría si se enterara de que ésta es la única película que he visto de Wes Anderson, así que lo diré en voz baja para que no se dé cuenta.

Viaje a Darjeeling, en realidad The Darjeeling Limited (nombre del tren donde viajan los tres protagonistas), nos cuenta la historia de tres hermanos que, distanciados un año atrás tras la muerte de su padre, deciden embarcarse, o mejor dicho, el mayor de los tres decide embarcarles, en un viaje en tren por la India para volver a unirse y reunirse con su madre en una especie de viaje espiritual prefabricado.

A pesar de no tener referencias previas, no es difícil detectar un toque peculiar, que debe ser ese toque que Anderson le da a sus historias y personajes y del que hablan todos los que han visto otras películas suyas. Un toque que quizás se base en las rarezas de los personajes, en lo estrambótico y cómico de algunas situaciones, en la fotografía y el colorido conseguidos en la India, en el increible manejo de la cámara, con unos travellings increibles y unos ralentís muy expresivos, en hacer de las maletas heredadas un personaje más, en ver a Bill Murray en un papel anecdótico o a Angelica Huston en uno secundario y esencial, en la esencia de road(rail)-movie que se respira en todo el metraje, en su ecléctica banda sonora... o en una combinación de todo.

A pesar de tener la impresión de que la historia podría haber dado un poco más de sí, Viaje a Darjeeling es una película de las que dejan buen sabor de boca y de las que van calando con el tiempo.


"There's really nothing, nothing we can do. Love must be forgotten, life can always start up anew" (MGMT)

Basada en la novela de Anna Gavalda, "Juntos, nada más" nos cuenta la historia de tres almas solitarias que de repente un día se encuentran en el camino y a raíz de los vínculos que se forman entre ellos, sus vidas cambian por completo.

La idea de los tríos de personajes suele ser interesante y dar mucho juego en las historias, sobre todo cuando cada personaje está bien construido y además, las interrelaciones de dos en dos y su funcionamiento en grupo están bien planteados, aportando situaciones y reflexiones originales. El problema de esta película es que la adaptación de la novela no ha sido buena, se han quedado por el camino muchas cosas, al principio los vínculos entre ellos se establecen de forma abrupta e inverosímil, restándole credibilidad a una química entre ellos que no termina de llegar. Por otro lado, al desarrollo de la historia le sobran cosas, una verdadera lástima, teniendo en cuenta que se podrían haber ahorrado algunas escenas que no aportan mucho y haber ahondado más en las situaciones que les llevan a conocerse y de paso decirnos más sobre los personajes, porque exceptuando el personaje de Franck, que queda bastante perfilado, el resto queda un poco en el aire, dejando a Camille a medias, con un halo de misterio alrededor, y a Philibert y Paulette (la abuela de Franck) demasiado estereotipados.

Cuestiones de adaptación aparte, podría añadir que el final me descuadró bastante, no entendí que se pasasen media película recalcándonos ciertos aspectos de la naturaleza de los personajes, sobre todo de Camille, para luego acabar con ese final tan pasteloso. Por otro lado, desgraciadamente sigo viendo a Audrey Tautou y no me quito de la cabeza a Amelie, aunque eso ya depende de cada uno, el hecho de que la vea a diario caracterizada como Amelie en la pared de mi dormitorio debe influir bastante.

En definitiva, aún después de saber el final, creo que me leeré la novela, porque como suele ser habitual, seguramente ahí esté todo más hilado, perfilado y desarrollado. Al fin y al cabo no deja de ser una historia interesante.


Hoy, mega frase.

"Y me hacen ser fuerte durante las noches de invierno, y me dan calor y electricidad y resolución. Ahora puedo enfrentarme a esta ansiedad que me empuja al mar, que me quita el sol, que me hiere y me mata y me hace pensar que todo acabó, que esto es el final y que muere por verme llorar... sé que muere por verme llorar... y no quiero volver a llorar. Porque me da igual, porque ya no lo necesito, tengo todo lo que siempre quise en mi jardín, tengo luz, tengo paz, soy feliz, y esta noche ellas cantan para mí" (Ay Guille, Guille...)

Últimamente, aparte de los de siempre (Glen Hansard, Feist, Jens Lekman y Róisín), estoy bastante electrónico, con Digitalism, Mstrkrft, Simian Mobile Disco,... pero los que más me han sorprendido para bien y han terminado calando, han sido Justice, con su disco debut "†" .... que guay eso de que el disco no tenga título escrito.

Justice es un duo francés que saltaron a la palestra en 2003 gracias a sus primeros remixes. Empezaron remixeando a Simian y algunos grupos franceses, y terminaron remezclando a gente como Britney Spears, N.E.R.D., Fatboy Slim, Daft Punk, Franz Ferdinand, Mystery Jets, Soulwax o Mr. Oizo. Tras la odisea de remixes, sacaron su primer disco el pasado verano.

† abre con "Genesis" y "Let there be light" dos temas enlazados donde se mezclan a la perfección los samples orquestales con cierto aire cinematográfico y oscuro, y una bases con mucho groove. "D.A.N.C.E," les sigue a estas dos, sin duda el tema que más sobresale de todo el disco, además tiene un videoclip de animación sobre camisetas super divertido y moderno, dan ganas de comprarse todas las camisetas, que por cierto estuvieron a la venta 6 modelos allá por verano. "New jack" y "Phatom" (parte I y II) continuan el disco, la primera con un sample entrecortadísimo que va formando la melodía sobre una base más entrecortada aún, ideal para bailar haciendo el ganso; y las dos partes de Phantom, la primera más eléctrica y dura, y la segunda más amable introduciendo unos violines muy funk en la melodía. Bajamos el ritmo con "Valentine" y el rap de "Thheee Ppaarrttyy", lo retomamos tímidamente con "DVNO" y terminan pasándose de rosca en "Stress", que parece que le hagan un sample a la canción de Tiburón y que es demasiado techno para cuadrar bien en el conjunto del disco. Por suerte, terminamos con "Waters of Nazareth" y "One Minute To Midnight", la primera empieza con tanta fuerza que casi sales despedido, increible lo que se puede conseguir con una simple base y una guitarra distorsionada, y tras el impass de teclados añadidos, el parón-continuación en el minuto (3:22) es demencial; y la segunda, perfecta continuación más relajada de la anterior, que pone el punto final al disco.

Como crítica, tienen una influencia de Daft Punk demasiado clara, aunque mientras Daft Punk siga sacando mierdas inmensas como las que hizo en "Human After All", no me importaría que Justice fueran sus herededos.

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Que no 11, sino "una vez".

Cuando una película trata sobre la historia de un cantautor irlandés que toca la guitarra en la calle, cantando canciones conocidas de día y dejando sus canciones para la noche, al que una noche se le acerca una chica que resulta ser una inmigrante checa que vende flores para sacar adelante su vida y que es una apasionada de la música, tanto o más que él... uno puede pensar que está ante el pastelazo del siglo. Pero (casi que) no.

"Once" es una de esas películas que de volver a verla me enamoraría completamente de ella y no podría quitármela de la cabeza, seguro. Podríamos decir que es un musical, aunque no esperes gente bailando por la calle, ni números artísticos a mansalva,... es un musical porque los diálogos o más bien el desarrollo de la historia se hace a través de las letras de las canciones que componen ambos protagonistas. Música de cantautor, con sus toques de nostalgia, desamor y esperanza, todos a la vez, compuesta realmente por ellos, Glen Hansard (él) y Markéta Irglová (ella), músicos y pareja en la vida real, con un disco "The Swell Season" publicado en 2006, que supongo que contendrá canciones de la película, aunque hay una banda sonora editada, pero que no ha llegado a España.

La película es todo un ejercicio de sencillez y contención, cayendo y sin caer en tópicos, y con un planteamiento pseudomusical bastante original, que termina emocionando tímidamente en un final un tanto agridulce. Con opiniones muy dispares, yo soy de los que se incluyen en el grupo de los seducidos. Habrá que volver a verla y enorarse de ella totalmente.


"Take this sinking boat and point it home, we've still got time. Raise your hopeful voice you had a choice, you've made it now" (Glen Hansard)

Ottar Thor, estrella del fútbol islandés y con el ego necesitado de atención, decide salir del armario un día cualquiera, después de un partido, en el vestuario, delante de sus compañeros de equipo, el entrenador, que también es su padre, y unos periodistas,... buscando esencialmente salir en portada sin pensar muy bien en las consecuencias.

Así es como empieza "Eleven men out" o "Fuera del vestuario" como han traducido en España. Una comedia gay sobre el fútbol, sin pretensiones, con un ritmo tan frenético como irregular y algún que otro diálogo mordaz que no termina de sobresalir demasiado.

La película se centra en las reacciones del entorno de Ottar Thor, su padre, su madre, su hermano, su ex-mujer y antigua Miss Islandia y su hijo adolescente atormentado. Y en las consecuencias tras la noticia, siendo expulsado de su actual equipo y fichazo de rebote por otro equipo en el que, de repente, todos los gays de Islandia quieren entrar, convirtiéndose en el equipo gay de Islandia.

Surrealismos aparte y desfile del orgullo gay incluido, la película, sin ser una maravilla, al menos se deja ver y tiene algún que otro momento divertido. Pero peca de un humor ¿islandés? que no creo que cuaje fuera de sus fronteras. Aparte de que escuchar islandés durante hora y media larga desconcentra bastante.

En fin, si eres uno de esos gays que ha de ver todas las películas de temática que salen en cartelera, adelante. Para todo lo demás, MasterCard.


"... Y el momento más terrible, comprender que es imposible rebelarse contra el devenir del momento más feliz" (La Casa Azul)

14 kilómetros es la distancia de punta a punta del estrecho de Gibraltar. Esta película nos cuenta las peripecias de 3 inmigrantes que deciden partir de su Níger natal y emprender el viaje que les llevará hasta Europa, atravesando el desierto del Teneré, la tierra de los Tuaregs, los puestos fronterizos entre Argelia y Marruecos, y finalmente esos 14 kilómetros de estrecho en patera, realmente insignificantes en comparación con todo lo anterior.

La película, que en principio podría haber estado mucho más comprometida y mostrarnos con mucha más crudeza los hechos, se queda un poco descafeinada, debido a que el director se dedica gran parte de la cinta a mostrarnos panorámicas de la gran belleza de África, del desierto, etc.,... que ciertamente lo son, pero que no contribuyen en absoluto a empatizar con la cruda historia de los tres protagonistas. Las trabas del camino tienen pronta solución y una serie de casualidades hacen que todo parezca más fácil de lo que seguramente sea en realidad. Hasta el desenlace peca de efectista y esperanzador, aunque a un servidor, que tenía el día sensible, consiguió emocionarle.

A pesar de todo, también encontramos un par de reflexiones, especialmente las que hacen los tuaregs sobre su modo de vida y la incomprensión del éxodo a Europa, que plantean temas interesantes.

En definitiva, una película que podía haber dado mucho más de sí. Una lástima.


"This invisible city | Where no one sees nothing | We're touching faces in the dark | Feelin' pretty is so hard" (The Wallflowers)

Hoy hay doble entrada. Se me acumulan las películas vistas por hacer crítica y, aprovechando que estoy en casa hecho un troll del averno, voy a dedicarle unos minutos a lo último de Brian de Palma.

Con esta película me pasa un poco como con "Brokeback mountain", que pretendía mostrarnos "la gran historia gay de todos los tiempos" y que se quedó en una peli de temática más, que todo el mundo fue a ver como la primera película gay de la historia, pero que no lo fue en absoluto y que pasará a la historia inmerecidamente. Vamos, una sensación de "ni fu ni fa", sobre todo porque, entrando ya en Redacted, ha levantado una polémica enorme en Estados Unidos, que no viene más que a demostrar lo desinformados e irascibles que están con el tema de Irak por aquellas tierras.

Redacted se basa en el hecho real de una violación acontecida en 2006 por parte de unos soldados estadounidenses a una joven irakí de 15 años y el posterior asesinato de toda su familia, para presentarnos un falso documental a base de fragmentos de la grabación casera de uno de los soldados implicados en la violación, el reportaje de unos reporteros franceses, fragmentos de noticiarios irakíes y estadounidenses, vídeo-blogs, etc. Hechos que cualquiera en su sano juicio es consciente de que ocurren, han ocurrido y ocurrirán en la dichosa y mediática guerra de Irak.

El caso es que, a pesar de la sensación de estar viendo algo que ya se sabe de sobra, es de agradecer la valentía de De Palma para hacer una película como ésta, donde, aparte de la salvajada sobre la que se centra la película, se platean temas paralelos que reflejan claramente lo tedioso, aburrido y patético del día a día de los soldados en Irak y de su relación con los irakíes, con unas piezas de música clásica de fondo, que no hacen más que acrecentar esa sensación de mediocridad generalizada, rozando la burla.

Para verla un día con ganas y con el estómago a prueba de bombas, porque hay un par de secuencias que rozan el snuff, aunque siempre nos queda cerrar los ojos o taparnos la cara con las manos. Lástima que ya esté fuera de cartel, la vi hace ya unas semanas, el último jueves que estuvo programada en Albatros... siempre quedará el DVD.


"When I think that I'm over you, I'm overpowered" (Róisín Murphy)

Cuando una película comienza con una procesión funeraria a través de un verde paraje japonés, seguida de un fundido en negro de casi medio minuto, no hace falta saber mucho más para comprender que va a ser una de esas películas con ritmo lento, pocos diálogos, muchas miradas, y muy introspectiva.

El bosque del luto, nos cuenta la historia de Shigeki, un anciano que viene en una pequeña residencia de jubilados, y Machiko, una cuidadora que le presta una atención especial. Tras el cumpleaños de Shigeky, Machiko decide llevarle de paseo por el campo al día siguiente. Un accidente y la demencia de Shigeky, les lleva a ambos a adentrarse en los bosques de la montaña de Narayama. Y es allí donde ambos emprenden un viaje interior conjunto.

Película comtemplativa, pausada, cargada de simbolismo, lírica, que a base de pinceladas en forma de breves diálogos y centrada en las reacciones emocionales de sus personajes, es capaz de contarnos los traumas pasados que les atormentan y de avanzar poco a poco hacia el final de ese viaje interior que ambos emprenden por el bosque, que se convierte en un personaje más de la película.

Para verla tras un día de estrés, con paciencia, sin demasiado sueño acumulado y sin demasiadas espectativas absurdas.


"You don't know because it passes right thru ya, you don't know what I'm going through" (Jens Lekman)

El disco empieza con la delicada "So Sorry", con un ritmo de bossanova lenta, una guitarra acústica y su voz, que ya abren el apetito, para hartarse después con "I feel it all", power pop del que te hace querer salir corriendo por la calle saltando como en un musical y del que te hace llorar cuando en el estribillo todo se contiene mientras ella dice "I'll be the one who'll break my heart, I'll be the one to hold the gun, I'll be the one who'll break my heart, I'll end it thought you started it". Después viene "My moon my man" con una línea de piano marcando el ritmo y con un video musical tan mágico como el de "1,2,3,4", y es que ¿a quién no le dan ganas de ir andando haciendo coreografías por la calle con esta canción? A partir de hoy seré incapaz de ir por una cinta transportadora sin hacer el idiota (bueno, ya lo hacía antes). "The Park" y "Water" bajan el ritmo, la primera, un baladón lo-fi, que debe haberlo grabado en el porche de su casa, y el segungo, otro desgarrador tema a piano. Con "Sealion", nos ponemos black power, medio gospel y le hacemos un homenaje a Nina Simone. Y seguimos con el tema que ahora mismo más obsesionado me tiene "Past in present", folk y power pop one more time, del que te hace querer correr y saltar y del que te hace llorar en un contenido estribillo en el que nos suelta "There's so much present inside my present, inside my present, and so, so much past inside my present, inside my present, inside my present" y yo exploto, literalmente. Después de tres minutos de rozar el nirvana, viene "The limit to your love", perfecto intermedio entre la anterior, y la siguiente, "One, Two, Three, Four", una canción sencilla, con un video mágico, y con frases como "1, 2, 3, 4, 5, 6, 9 and 10, money can't buy you back the love that you had then". Cuando todos empiezan a girar a su alrededor cogiéndose a ella, y cuando al final todos desaparecen, yo... floto. Y "Brandy Alexander", "Intuition", "Honey Honey" y "How my heart behaves" cierran el disco, en un, quizás, epílogo demasiado largo, pero que a pesar de no tener ningún tema más movido, tiene la elegancia del primero, la desgarradora sencillez del segundo, el toque peculiar del tercero y el perfecto sonido de cierre de disco del cuarto.

Bueno, después de correr, saltar, reir, llorar, explotar y flotar, me recompongo para terminar. Espero verla en algún festival este verano.

El 18 de Noviembre sacaron su último ¿disco?. Más que un disco, es un EP doble, con una primera parte Hvarf, con temas inéditos hasta la fecha, excepto Hafsól (el sol del mar), incluido en el single Hoppípolla (y versión de la original incluida en Von), y que se pudo oir en los conciertos del 2006, con una línea de bajo tocado con una baqueta constante durante toda la canción y un crescendo que termina con un cuarteto de cuerda frenético. Aparte de este tema, que cierra el disco, los otros 4 que conforman Hvarf son: Salka (nombre de la hijastra de Georg); Hljómalind (anteriormente titulada Rokklagio, la canción del rock); Í Gaer ("ayer", anteriormente conocida como Lagið Í Gær); y Von ("esperanza", versión de la original incluida en su primer disco).

El segundo CD, Heim, incluye versiones acústicas en directo de temas ya publicados: Samskeyti (de ()); Starálfur (de Ágaetis Byrjun); Vaka (de ()); Ágaetis Byrjun; Heysátan (de Takk); y Von.

El disco, aparte de venir en un digipack que se abre por un lado o por otro en función del disco que quieras escuchar, y con una estética muy sigurosiana, es una bonita recolipación vendida como una delicatessem. Pero sabe a poco,... y además te trae el mono de vuelta. Espero que 2008 sea el año del 5º disco oficial de estudio.

Por otro lado, también se ha publicado en DVD Heima, una película rodada durante 2 semanas junto al grupo, a lo largo de 15 actuaciones que dieron por sorpresa en Islandia. Está claro que el fichaje por una multinacional les ha afectado, dado que les pidieron un DVD/CD en directo, aunque viendo el resultado se puede decir que siguen manteniendo su esencia y no han hecho el típico DVD/CD en directo. Esperemos que no les afecte mucho más.

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Jens Lenkman es un sueco de 25 años al que podríamos encasillar en un estilo pop barroco,... como referencia podríamos tomar a un Ruffus Wainwright sin piano, o un Patrick Wolf mucho mucho menos electrónico, aunque también utiliza unos cuantos samples. Le comparan mucho con Morrisey y le llaman "The Swedish Crooner". Sus letras son muy autobiográficas y hablan del amor y otras cosas de la vida, con un toque especial, incluso bizarro.

El pasado 9 de Octubre salió a la venta su último disco "Night falls over Kortedala", y me cayó para mi cumpleaños, para absoluta sorpresa de un servidor, que ni le conocía ni sabía por donde iba su música.

El disco es un conjunto de 12 melodías luminosas y alegres, destacando la orquestalidad grandilocuente de "And I Remember Every Kiss" que abre el disco, la perfecta melodía pop de "The Opposite Of Hallelujah", la genial "I'm leaving you because I don't love You", el estribillo (y toda la letra) brutal de "Shirin", y el cierre perfecto con "Friday Night At The Drive In Bingo", primer single del disco. En general, un disco con un sonido muy peculiar, con multitud de matices por la variedad de intrumentos utilizados.

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Quizás el nombre de Róisín Murphy no os suene mucho, puede que si os digo que era la cantante de Moloko, os suene más. El caso es que esta mujer, a la que algunos califican como "la más cool del mundo", ha sacado su segundo disco en solitario hace cosa de dos meses, y yo... me quito el sombrero.

Producida en su anterior disco por Herbert (el grande y brutal Mathew Herbert), para éste se ha puesto en las manos de varios productores:

• Andy Cato (uno de los dos de Groove Armada) se encarga de "Let Me Know" y "You Know Me Better", segundo y tercer single del disco, y con razones de sobra para serlo, porque son dos auténticos temazos. Y también del bonus track "Body language", más flojo.
• Ivan Corraliza y sus reconocibles coros masculinos de instrumentación vocal, nos trae los ritmos de "Checkin’ On Me", y dos baladas perfectas como son "Primitive" y sobre todo "Tell Everybody".
• Paul Dolby y Mike Patto producen "Overpowered", primer single del disco y que lo abre perfectamente, "Movie Star" con un toque que me recuerda a Goldfrapp en sus dos últimos discos, "Dear Miami" más calmada y con una guitarra que guía de fondo a toda la canción.
• Paul Dolby sin el Sr. Patto se encarga de "Footprints" con un toque retro que me encanta.
• Michael Ward, Dean Honer y Richer Barrett se encargan de "Cry baby", un tema agresivo y con cierto toque Goldfrapp también, y cierran el disco con "Scarlett Ribbons" un baladón enorme.
• Y "Parallel Lives" cierra los bonus tracks, a cargo de Richard Phillips, con un tono sucio que no se porqué me hace pensar en un club de striptease lleno de barras con chicas bailando.

En definitiva, y sin hacer de menos a "Ruby Blue" el discazo que le produjo Herbert, cuyo sonido jazz con cacharritos le queda que ni pintado a Róisín, y que incluye temas tan impresionantes como "Sow into you", "If we're in love" o el sucio "Ruby Blue" que le daba nombre al disco,... Róisín ha vuelto con otro trabajo muy bueno bajo el brazo, mejores (éste y el primero) a mi gusto, que lo que hizo en su día con su expareja en Moloko (lo siento por los fans, pero así lo pienso).

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Woody Allen... está espeso.

Cassandra's Dream nos cuenta la historia de dos hermanos, Ian (McGreggor) y Terry (Farrell), que a pesar de su poco boyante economía, deciden comprarse un barco llamado "Cassandra's Dream" para arreglarlo y salir a navegar los fines de semana. Ian, acostumbrado a aparentar lo que no es y a vivir por encima de sus posibilidades; y Terry, adicto al juego, partidas de cartas, carreras de galgos,...

Terry, que no tarda en meterse en problemas con las apuestas, e Ian, obsesionado con una bella actriz a la que ha conseguido seducir a base de apariencias, terminan necesitando desesperadamente la ayuda de su tio Howard, empresario millonario que se presta a ayudarles, pero a cambio de un favor. Y qué favor.

Con semejante material de partida, semejante tándem de actores, y con Woody Allen menjándolos a su gusto para hacer una reflexión sobre la moral, el bien y el mal, uno podría pensar que es obligado que salga un peliculón inmenso. Pero... no es así. La película tarda en arrancar lo nunca visto, y los personajes fallan estrepitosamente, a pesar de la correcta actuación de Ewan y Collin (sobre todo de Collin), no llegando a causar empatía alguna, perdiendo el interés de lo que les pasa, y con ello, el interés de la película. La obsesión de Ian por la actriz está muy mal llevada, resultando cansina hasta el punto de parecer forzada e incomprensible, y los devenires de ambos hermanos, desde que se plantea el problema económico, hasta que hablan con su tio, y terminan finalmente cumpliendo su parte del trato, se hacen taaaaan largos, que el final de la película, que llega a golpe y porrazo, nos deja con la sensación de que nos han timado.

A todo este estado de cansancio continuo y desesperación porque no llega el final, y cuando llega es anodino... se une la banda sonora de Philip Glass, experto en crear bandas sonoras envolventes y que hace el conjunto más espeso si cabe.

Lo siento tito Woody, pero no.


"No comprendo que te niegues a viajar, cuando quedan mundos nuevos que explorar" (Fangoria)