Que a estas alturas de la vida una película encuentre tantas trabas para estrenarse por su temática gay es sorprendente, aunque hay que reconocer que en el fondo tanta polémica le ha venido muy bien para publicitarse. Y el caso es que viendo el trailer español, del tema gay no sale absolutamente nada y se ha enfocado todo como una comedia más de Jim Carrey, de las del peor Jim Carrey.


Al final, lo único que tira de esta película es ver como quedan de pareja Jim Carrey e Ewan McGregor y el resultado no es tan desolador como pudiera parecer a priori. Jim Carrey no se pasa de histriónico y le da el toque justo que requiere el personaje, Ewan McGregor está adorable haciendo de gay apocado y con una pluma contenida y la historia con sus ires, venires y giros te mantiene atento durante todo el metraje. Pero tampoco voy a engañarme, que la sensación final fuera mejor que las expectativas no hace que la película sea algo para recordar. Se deja ver, sí, pero nada más.

La acción de Madre amadísima ocurre casi en su totalidad en la iglesia del pueblo de Alfredo, el encargado de vestir a la virgen del pueblo y que tiene a ésta como su única y más fiel confidente. Aprovechando que ha de vestirla para las procesiones de Semana Santa, Alfredo le relata su vida a la virgen, y a los espectadores de paso. La vida de una mariquita de pueblo y sus ires y venires entre su sufridora madre, su padre ausente y maltratador, las otras mariquitas del pueblo, su adolescencia, la mili y su madurez.

Madre amadísima es una película que se ve por militancia gay, para qué negarlo, porque en cuanto a calidad deja bastante que desear. Se nota la falta de medios, con una fotografía mediocre o una banda sonora en ocasiones sonrojante, por no hablar de la actuación de Ramón Rivero, que lleva todo el peso de la película y que de mariquita graciosa andaluza queda muy bien, pero se desinfla por completo en las escenas dramáticas, quedando incluso ridículo.

A esto hay que añadirle que el final está muy mal resuelto, alargándolo con escenas irrelevantes pretendiendo alcanzar un clímax de trascendencia que no llega ni supera al primer clímax dramático, y que terminan por cansar al espectador, cuando podría haber quedado una película sencilla y decente de haber cerrado la historia correctamente.

Tres años después de su disco debut, Delorean volvieron con un segundo disco homónimo con el que empezaron a abrirse camino entre el público. Era la época del punk-funk y los de Zarautz se apuntaron al carro.

Yo por aquel entonces pasaba del punk-funk tanto como lo hago ahora, y los ramalazos a lo The Cure en Los muertos y a lo New Order, de nuevo por la textura de los punteados, en The nightlamps, tampoco me convencieron demasiado.

Del disco, poco más se puede decir, es simple y llanamente un disco de punk-funk con todo lo bueno que eso conlleve para algunos y todo lo malo que conlleva para mí. Por suerte, los temas de este disco, al igual que los de su disco debut, tampoco aparecen ya en sus directos, y a partir de aquí la evolución del grupo se empieza a encaminar poco a poco hacia la electrónica, porque ¿qué sentido tiene seguir haciendo punk-funk hoy en día?

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No sé por qué siempre asocio a The Big Pink con The XX, quizás sea porque los debuts de ambos salieron con apenas un mes de diferencia y por comentarios en distintas webs de unos y otros he terminado uniéndolos inconscientemente. La verdad es que la música de ambos grupos poco tiene que ver, excepto en la oscuridad de su sonido, siendo más bien contrapuntos bastante distantes.

Lo que tienen The XX de minimalistas, lo tienen The Big Pink de recargados. Lo suyo podría englobarse como rock electrónico y a veces me recuerdan a Kasabian y, por regla de tres, a Primal Scream (sobre todo en la etérea Too young to love, Dominos, Frisk y Tonight), pero también tienen tiempo para baladas a lo The Jesus and Mary Chain (Crystal visions y Love in vain) o para ponerse shoegazers (At war with the sun).

El disco mantiene el tipo hasta Velvet, sexto tema y segundo sencillo antes de que saliera el disco, que fue presentado oficialmente con el sencillo Dominos, quizás el tema más representativo. Pero luego decae bastante con Golden pendulum, Frisk, A brief history of love y Tonight, por mucho que hayan querido reivindicarla como single, para terminar desinflado del todo con Countbackwards from ten.

Una lástima, porque el principio promete bastante.

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Escuchando cualquiera de sus discos posteriores, parece mentira que los mismos Delorean que publicaron Subiza hace unos días, empezaran en 2001 con Silhouettes. Y digo que parece mentira, porque el sonido de este disco debut está musicalmente más próximo a The Cure o New Order (esos punteados en The portrait) y la voz de Ekhi se queda en una especie de susurro que en ocasiones recuerda a Billy Corgan (cuando también susurra, claro, no cuando se ponía a berrear con su voz nasal).

El disco tuvo una primera tirada de 500 copias y fue reeditado posteriormente, y de poco sirve hoy en día más que de curiosidad, ya que el grupo, en su irrefrenable evolución, ha ido abandonando este estilo y ninguno de estos temas suena ya en sus directos, y visto lo visto, sería raro que volvieran atrás.

El disco va de temas más oscuros (Sense work, The portrait) a temas pop más luminosos (Color and noises, Automatic) pasando por otros de corte más electrónico (Just get out) y alguna que otra balada un tanto etérea (Mini skirt girld y, sobre todo, Plates in her eyes, cerrando el disco).

En líneas generales, un disco anodino que no aportó nada nuevo en su día y que a día de hoy tiene valor exclusivamente anecdótico.

• Un poquito más de rollo cómico. Que se supone es una mundo mágico y loco y como que le pegaría bastante (que tanta seriedad me mató).
• Un argumento menos típico (y menos previsible... que poner profecías está megadémodé)
• Algún presonaje nuevo (que, ya que estás, molaría bastante).

• Rollito entre Alicia y el Sombrerero (que me da grima solo de pensarlo).
• Pasar del gore a lo infantiloide con esa facilidad (te arranco el ojo, mato gente pero luego vamos al castillo de la Bella Durmiente y te hago un baile superfatal más tarde).
• El baile superfatal desde luego sobraría mucho (o le faltaría bastante espectacularidad al menos).

No sé si los programadores de la primera jornada del SOS 4.8 2010 tienen una conexión telepática conmigo, el caso es que ya sea por telepatía, por alineaciones plantearias o por efectos colaterales del CERN, es la primera vez que en un festival voy a poder disfrutar por completo de todo lo que considero imprescindible, ver a medias lo que no me interesa tanto, y no oler ni de lejos lo que no me interesa nada, sin coincidencias estresantes ni momentos vacíos en los que no saber a dónde ir.

La verdad es que no suelo escribir de los artistas que no me gustan y reservo a la hoguera y ni fu ni fa para aquello de lo que esperaba algo y me defrauda o no me termina de gustar. Pero hoy voy a hacer una excepción.

La jornada empieza a las 12:00, pero nuestra jornada particular no empezará antes de las 18:00 o las 19:00, por lo que de entrada nos perderemos a Twin DJ's, Los Miamis, Toxicosmos DJ, Joan S. Luna, y con suerte llegaremos a la sesión de Alaska y Nacho Canut.

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19:00 La bien querida @ Auditorio
El primer gran descarte de la tarde será un auténtico ultraje para muchos, pero ya opiné en su día sobre el proyecto de Ana Fernández-Villaverde y no he cambiado de opinión. Además, tirando de excusas, los tickets de acceso al Auditorio se empiezan a repartir a las 17:00 y dudo mucho que cuando lleguemos aún queden entradas.

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19:30 Alondra Bentley @ Escenario Jägermeister
Desde que Russian Red diera el pistoletazo de salida para una nueva escena folk femenina, ni ella ni ninguna de las siguientes me ha llamado la atención. Sí, Ashfield Avenue es un disco bonito y bien producido, pero no todo lo que está bien hecho tiene porque gustar universalmente.

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20:30 Anni B Sweet @ Auditorio
Repetimos. Desde que Russian Red diera el pistoletazo de salida para una nueva escena folk femenina, ni ella ni ninguna de las siguientes me ha llamado la atención. Sí, Start, restart, undo es un disco bonito y bien producido, pero no todo lo que está bien hecho tiene porque gustar universalmente.

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20:40 Joe Crepúsculo @ Escenario Jägermeister
Joe Crepúsculo ha ido aumentando proporcionalmente la calidad de producción de sus discos y mis nervios. No soporto como canta, así que poco tiene que hacer conmigo en el futuro ni en el SOS 4.8

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22:00 Tinderticks @ Auditorio
Y si empecé con un posible gran ultraje, seguro que éste aún lo es más. En su favor (y para ponerme en evidencia) he de decir que si los descarto es por total y absoluta ignorancia en cuanto su música, y porque cualquiera convence a la compañía de pasar de Los Planetas (22:30) para verlos. El caso es que por lo poco que escuchado de ellos, tiene pinta de ser El Concierto Especial de la jornada, así que si Los Planetas no son santo de tu devoción, no te apetece bailar con The Leadings (21:55), y te da igual perderte un trozo del punk ochobitero de Crystal Castles (23:10), Tindersticks es La Opción.

En Casino Royale, la participación de Woody Allen se reduce a un par de escenas, que aunque escasas, están entre lo mejor de la película, porque en general, la película es todo un despropósito de principio a fin.

Lo que en principio podría haber sido una buena parodia de las películas de espías, se convierte conforme avanza el metraje, en un pastiche de gags humorísticos enlazados sin ningún esmero y que en un gran porcentaje, más que hacer gracia, hacen que te quieras cortas las venas.

Sólo sorprende, junto a la escena de la ejecución de Allen, la subtrama en la que una agente secreto ha de viajar a Berlín, y la forma tan políticamente incorrecta con la que se trata el tema del muro, teniendo en cuenta que la película es del 67. Por lo demás, sólo recomendable si eres un fanático de lo peor del humor surrealista.

Hace un año que salió este disco y para muchos se convirtió desde ese preciso momento en el disco del 2009. Yo, que los tenía bastante recientes de su concierto en el Greenspace 2008, me imaginaba que algo así pasaría (Strawberry Jam, su anterior disco, había sido encumbrado de igual manera) y que se crearía un hype considerable a su alrededor.

Hace un año me preguntaba si tanta devoción y entusiasmo no respondía en gran parte a una pose o dogma modernil del estilo "me gustan porque me han de gustar". Hoy me lo sigo preguntando, y eso que Merriweather Post Pavilion es infinitamente más escuchable que Strawberry Jam.

Pocas son las críticas negativas que se han visto por ahí de este trabajo, el hype de la crítica ha funcionado bastante bien, y digo de la crítica, porque en cuanto al hype del público ya era bastante escéptico a finales del 2008, y lo sigo siendo ahora. Sólo Julián Ruíz se atrevió a despotricar sobre ellos hace unos días en Plásticos y Decibelios, y Jesús Miguel Marcos dejó caer veladamente que no le gustaban en la crítica a la uniformidad de las listas en los medios musicales que hizo en El detonador, su blog de Público.es. Pero en la gran mayoría de revistas y blogs especializados la unanimidad ha sido aplastante, dando la sensación de que si no ponías a Animal Collective en lo más alto del panorama musical, no eras nadie.

En fin, qué le vamos a hacer, no me ha gustado Merriweather Post Pavilion, a pesar de que tiene unos pocos temas destacables, agradables y/o rescatables, como My girls, Bluish, No more running y, sobre todo, Brother sport. Escuchar el disco entero me supone una tortura. Esa especie de tribalismo electrónico lleno de samples por doquier, algunos bastante exasperantes e inconexos, y unas voces en ocasiones bastante chirriantes e irritantes, no me convence, definitivamente.

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Curioso juego el que se marca el señor Allen al titular así su última película, y es que si la cosa funciona, para qué cambiar. El problema es que la cosa empieza a no funcionar, y quizás Woody Allen debería plantearse si su ya tradicional cita anual con las pantallas tiene sentido cuando la calidad no acompaña a la cantidad.

Son unos cuantos años ya los que lleva con comedias menores a las que uno trata siempre de acercarse con cierta condescendencia, pero al final, de tanto salir del cine con una sensación agridulce, a uno se le acaba la paciencia, y eso que cansarme de Woody Allen sería una de las últimas cosas que quisiera que me pasase. Pero da la sensación de que al señor Allen ha dejado de importarle hacer obras maestras, y se ha vuelto un viejo conformista que prefiere no complicarse la vida.

La comedia cuenta la historia del encuentro de Larry David, un misántropo anciano neoyorquino, y Melody, una ingenua chica sureña, y como ese encuentro da pie a otros encuentros con los padres de Melody, la ex de Larry,... terminando en una cadena de casualidades con un final un tanto empalagoso.

Con todo, la película se deja ver, gracias en gran parte a que el trabajo de los actores es realmente bueno, sobre todo el personaje de Marietta (la madre de Melody) interpretada por una genial Patricia Clarkson; y gracias también a lo asequible y tópico de los temas tratados: norte y sur, tradición y transgresión, el amor y la razón, la juventud y la madurez...; pero no estamos ni por asomo ante una de las películas recordables de Allen.

¡Qué malas son las expectativas! Llevaba tanto tiempo esperando esta película que, además del hype que se ha montado alrededor suyo, yo me había montado mi propio hype personal, esperando encontrar una de esas películas detallistas y llenas de sensaciones, algo así como mi nueva Amelie... ¡qué equivocado estaba!

Basada en el cuento homónimo de Maurice Sendak, el planteamiento de la historia es bastante simple: un niño que, tras una rabieta descomunal con su madre, huye de casa, encuentra una balsa y se va navegando hasta una isla en la que se encuentra con una peculiar familia de monstruos con los que aprende unas cuantas lecciones sobre la vida. Quizás iba buscando algo simple y eficaz, una de esas historias que tras una sencillez aparente, esconde una trascendentalidad abrumadora, pero por desgracia, se queda sólo en algo simple y la eficacia la tiene a medio gas.

Tampoco se puede negar lo obvio. Por un lado, hay que reconocerle a Max Records el mérito que tiene como actor, por resultar tan creíble y llevar todo el peso de la película a sus espaldas. Y por otro, la película es un alarde de preciosismo estético, las localizaciones son impresionantes, los monstruos son una delicia de la técnica, al más puro estilo de superproducciones de fantasía como Dentro del laberinto, que a muchos nos cautivaron de pequeños. La fotografía, con una cuidada iluminación, llena de atardeceres, amaneceres, contraluces, planos generales de paisajes impresionantes y primeros planos emocionantes. Y la música de Karen O, que no hace sino ensalzar aún más esa atmósfera onírica, completamente acorde con la historia, que inunda todo el metraje. Pero me esperaba algo más que un ejercicio estético puesto al servicio de un niño haciendo el gamberro y jugando como tal con siete monstruos. Salí de la sala preguntándome dónde estaban todas las sensaciones que tuve al ver el trailer, y si no había sido todo producto del Wake up de Arcade Fire que suena de fondo.

Castillos de cartón cuenta la historia de un trío amoroso entre dos chicos y una chica, estudiantes de Bellas Artes, en la década de los ochenta en España. Así de primeras, pinta bien, una de esas historias de despertares y revoluciones sexuales y extrañas dependencias emocionales que pueden ir de situaciones paradisíacas a infiernos sentimentales en un abrir y cerrar de ojos.

Pero el resultado termina desinflándose a medida que la historia avanza, y los conflictos de los tres protagonistas terminan aburriendo y repitiéndose, en lugar de llegar a tocar la fibra del espectador y entusiasmarle, entremezclando con las situaciones sentimentales una serie de reflexiones artísticas que más que añadir, quedan un tanto fuera de la historia, introducidas sólo para justificar un final que de trascendente queda un tanto ridículo y sin sentido, no quedando claro si la finalidad de la historia era hablar del amor, el sexo, el arte, o todo a la vez en un pastiche mal conectado.

Siempre he pensado que la gracia de una remezcla es conseguir llevar una canción a nuevos contextos musicales. Lo más típico es llevar una canción pop al terreno de lo bailable o a una electrónica más radical, aunque ejemplos de transformaciones inverosímiles hay por todas partes.

En ese sentido, me pregunto qué necesidad había de darle una vuelta de tuerca a muchas de las canciones de Pastora, que son bailables ya de por sí, llevándolas al terreno del house más manido, quedando los remixes muy por debajo del original. O por qué no se ha ido un paso más allá, para intentar sacar algo más de las canciones tan mediocres de su último trabajo.

En general el disco es bastante innecesario y podría haber formado parte perfectamente de una edición especial de Circuitos de lujo. Sólo en Una mañana, Invasión, Cósmica, y sobre todo en 1.000 kilómetros, consiguen resultados más o menos interesantes, pero el conjunto desluce bastante.

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