Monotonía y tedio. Son las dos sensaciones que he tenido en las continuas oportunidades que le he dado al disco debut de La bien querida.

Klaus & Kinsky fueron algo así como la revelación nacional del año pasado. Lo cierto es que fue escucharlos por primera vez y abandonarlos a la cuarta canción, porque tengo una especial aversión hacia los grupos españoles con voz femenina suave y "poquita cosa".

No fue hasta el desastroso concierto en la Wah Wah cuando empecé a prestarles un poco más de atención. Ya ves tú, a pesar de un concierto en el que no se les oía apenas por la mala educación del público, y en el que tampoco supieron hacer nada para meterse al público en el bolsillo, porque ya me dirás tú qué puede hacer una cantante así, que en vez de sangre tiene orxata; a pesar de aquello, decía, les di una segunda oportunidad y sin quererlo me han ido enganchando.

El disco es ecléctico, mucho, hay un poco de noise, rock, pop, un bolero, tecnopop naif... y poco a poco va entrando, vas descubriendo letras por aquí, melodías por allá, y a pesar de que catorce canciones son demasiadas y todo hubiese quedado mejor descartando algunas y haciendo un disco más compacto y digerible, al final no sabes muy bien cual dejarías y cual quitarías.

Hasta el noveno tema el disco mantiene el nivel, con buenísimas canciones como El cristo del perdón, Nunca estás a la altura, Flash-back al revés, sin desmerecer a Muerte en Plasencia o Crucifixión, la solución; y quizás sea a partir de la psicodélica y machacona Ronnie O'sullivan, cuando empieza a repetirse fórmula resultando un tanto lineal y repetitivo. Pero claro, quitar Teléfono de la esperanza es un crimen, soltando perlas en cada estrofa como "Si crees que no te puedes levantar y no quieres vivir, yo no te animo" o "Si ya no puede ser peor y te quieres matar, pues yo te ayudo, marca el número". O cómo quitar La mano de Santa Teresa de Jesús cuando dice cosas como "Me gustas más cuando me gritas que cuando callas, porque estás como ausente y le gustas a la gente" o "Yo te quiero disecar una mano y venerar tu reliquia cada noche y colocarla en un altar. Y así poderle rezar al dios de la gratitud, como Franco con la mano de Santa Teresa de Jesús". Y total... siendo Lo que no cura mata uno de esos crescendos que queda tan bien al final del disco, y Sintigo o sin ti una de esas perfectas canciones de cierre desoladoras y melancólicas...

En cuanto a la voz, al final uno supera sus aversiones, y lo cierto es que hay que reconocer que el tono le va perfecto a las canciones, sobre todo a las más noise. Total que un día tonto uno se levanta canturreando "Y cada día más que pasa todo da una vuelta más. Y cada día más que pasa todo gira un giro más..." y ya no tiene escapatoria.

El martes que viene saldrá la venta su quinto disco de estudio, tres años después de este Writer's block, que les llevara a la fama entre otras cosas por el radiado y silbado hasta la saciedad Young folks. Aún recuerdo la sensación, recien descargada, después de haberla escuchado mil veces en Siglo XXI en Radio3.

Tres años han pasado desde entonces, con un cuarto disco de estudio por medio, completamente instrumental, que no he tenido la ocasión ni las ganas de escuchar todavía.

Canción del silbidito aparte, lo grande de este disco es que va más allá en muchos aspectos, superando el éxito inmediato y multitudinario de Young folks, desde la épica melancólica con tintes noise de Objects of my affection y Start to melt (mis preferidas); la peculiar Amsterdam, transformada en una delicada pieza en los directos; el increible pasaje de psicodelia pop de Up against the wall; el folk amable de Paris 2004; el pop más sixtie de Let's call it off; la acelerada Chills; el folk épico de Roll the credits o el decadente de Poor cow, que cierra un disco lleno de matices e influencias.

Fue uno de los discos de 2006, y con razón, no en vano fue la consagración de un grupo con dos discazos previos, que sirvió para llevarlos de gira por todo el mundo. Lástima que se hayan echado a perder.

Este disco es sin duda el más experimental de la carrera de Fangoria. Como decíamos, con Salto Mortal empezaron una andadura por el mundo del pequeño público y, ya puestos, a hacer lo que les apetecía en el momento (por lo visto). Como salir salieron tres EP's: 1.0 en 1992, 2.0 en 1993 y 3.0 en 1995, que más tarde se compilarían con un segundo disco de remezclas, caras B y algún videoclip en 2003 (más vale tarde que nunca). La idea era ir sacando algo cada 6 meses o así a modo de diario de lo que iban haciendo y luego recopilar en un CD. Por lo visto ni los medios ni las discográficas ni el público acompañaban demasiado y tuvieron que ir posponiéndo el tema... además, que la loca esa del pelo rojo, qué quería decir? (que fue aqui donde el cambio de look, además).

Pero basta ya de historia! Yo he de decir que aquí aparecen algunas de mis canciones preferidas de ellos como Sálvame (atento al videoclip) y su revisión líquida (que me hipnotiza completamente), En la Disneylandia del amor (que me parece lo más), A la felicidad por la electrónica (canción ya sin letra, para que veas hasta donde la experimentación) o Sentimental (Añoro los 70 y a ti te parece fatal... ).

Luego ya podríamos hablar de otras canciones bastante geniales como Siempre Alrededor, Hacia la luz, Basura (total, por cierto y, creo que una versión de los Panchos... o al menos luego la cantarían con ellos), Nada nuevo bajo el Sol o Dios odia a los cobardes...

En general, pues eso, van desde el intimismo melancólico al petardeo. Además ya empiezan con ese punto místico que tanto me maravilla. En el fondo es normal que haya ciertas diferencias pensando que lo fueron publicando a lo largo del tiempo. Musicalmente yo veo que, por lo general, falta un poco de limpieza en cuanto a soniditos y eso (aunque nunca se han caracterizado por el minimalismo precisamente), pero bueno, achaquémoslo a la experimentación (también). Por cierto, ¡qué genialidad de portadas!

escúchalo en spotify | 1.0

escúchalo en spotify | 2.0

Si LP es interesante, la maqueta de 2004 es más. Más punk. Más chirriante. Más ácida.

Trabajar cansa:
Todo estará bien cuando pasen unos años
y seamos ya funcionarios del estado.
Ya no me echaré de menos, ni siquiera me voy a acordar.
Tendré un puto perro, seré un profesional.

Formol:
No distingo apenas nada
entre los gestos de tu cara.
Te has convertido en una chica moderna,
medio viva, medio muerta.
Vas por la calle con esa gente,
niños y niñas pestilentes.
Y después sé que te quedas sola y ...
intentas llorar.

Yo amo al punset:
Me hizo firmar en el ático
el juramento hipocrático,
luego me dio un bisturí,
estas fiestas son así.

El caso es que de repente
tuve un acceso vidente,
bien fue una revelación
o bien tenían muy alta la calefacción.

Hay que hacerle caso a Eduard Punset,
él sabe cuándo y cómo y sobre todo por qué,
y hay que verse Redes hasta que termina,
saber si fue primero el huevo o la gallina.

Ya superé la resaca,
me desclavé las estacas,
y tomé un par de cafés,
de lo de la otra noche no me acuerdo bien.

La cera en los pezones,
los discos de Los Ramones,
no obstante ahora lo sé,
así que lo voy a decir otra vez.

Hay que hacerle caso a Eduard Punset,
él sabe cuándo y cómo y sobre todo por qué,
y hay que verse Redes hasta que termina,
saber si fue primero el huevo o la gallina.

El bar del tanatorio:
Conozco un bar
donde puedes estar
hasta que se hace muy tarde
y nunca me dejan pagar.

En ese bar
las palabras están de más,
el silencio reinante
le imprime un carácter señorial.

El bar del tanatorio
no está en la guía del ocio
pero mañana podríamos quedar.

En este bar
la clientela no es regular,
hay gente diferente
todas las veces que vas.

En este bar
la etiqueta es fundamental,
la comida es decente
y nadie viene a molestar.

El bar del tanatorio
no está en la guía del ocio
pero mañana podríamos quedar.

Con semejantes letras, para qué voy a decir nada más.

El segundo disco de estos suecos no tiene un sonido tan retro como el primero, aunque sigue siendo un claro ejemplo de influencias sixties y podría considerarse un aspecto positivo que el sonido no esté tan estereotipado, que sea un sonido más compacto, más propio.

Temas buenos hay unos cuantos, como la apertura con Far away, by my side, la enérgica y luminosa It beats me every time, el doble crescendo sin estribillo y con final psicodélico de Does it matter now?, la impresionante y nostálgica Big black coffin, o la elegante Tailormade.

Y el resto de temas no se quedan atrás, Money, la etérea y breve Start making sense, la versión de la rockera e inmediata Teen Love de The concretes, el sonido más americano de All those expectations, y el cierre lo-fi con Goodbye, again or, en la que me recuerdan al You're so great de Blur; colaborando a un conjunto equilibrado de buenas canciones.

En definitiva, y de nuevo, uno de esos discos que apetece escuchar de principio a fin. Por algo está entre mis favoritos.

Antes de que les llegara el éxito con Ágætis byrjun, Sigur Rós debutaron con este disco en 1997, aclamado por la crítica como “Un soplo de aire fresco dentro en la cultura del rock islandés”. Como ya dije en su día, en el repaso que hice de su discografía hace casi un año con motivo de la salida de su doble EP Hvarf/Heim (repaso ahora eliminado y en proceso de desmenuzación), Von (esperanza) es un disco que podríamos catalogar como un experimento. No es el disco más indicado para acercase a Sigur Rós, puesto que su sonido evolucionó dando un paso de gigante con su segundo disco, y es a partir de él cuando el sonido y el estilo propios del grupo se hacen realmente patentes. La producción, que al parecer les llevó mucho tiempo y casi llegan a rehacer desde el principio, no es especialmente buena. Poco tiene que ver con lo que darían de sí dos años más tarde, con una producción mucho más cuidada y un sonido más elaborado.

A pesar de todo, en Von empieza a verse el germen de lo que serán luego, siendo temas como Hún jörð, Hafssól, Von o Syndir Guðs (opinberun frelsarans), claros ejemplos del post-rock de canciones extensas a medio camino entre el shoegaze y el minimalismo que desarrollarían después. Incluso llegan a sonar sorprendentemente convencionales en Myrkur, recordando vagamente a algunas cosas de REM, las guitarras de The Smiths o los primeros Cranberries.

El resto del disco se mueve más por la psicodelia del tema inicial Sigur Rós, comparable con las composiciones de György Ligeti utilizadas en la banda sonora de 2001; los ejercicios corales y orquestales de Dögun; o la experimentación minimalista de Leit að lífi, Veröld ný og óð o Mistur. Sin olvidar que ya empezaron aquí con sus rarezas particulares en forma de silencios, en 18 sekúndur fyrir sólarupprás (18 Segundos antes del amanecer), que son 18 segundos de silencio sin más; o canciones al revés con Rukrym para cerrar el disco, que no es más que Myrkur dada la vuelta.

Un año más tarde, saldría en el mercado islandés Von brigði, que viene a traducirse como "alteración de la esperanza", es decir, un disco de remixes de Von realizados por distintos grupos de islandia y que incluye la versión original de Leit að lífi, un tema que quedó descolgado del primero disco.

The presets es un dúo australiano formado por Julian Hamilton y Kim Moyes, que este año han sacado un disco tremendo. Pero remontémonos a 2005, cuando estos chicos irrumpieron en el panorama musical con su disco debut: Beams.

Beams, aparte de Are you the one?, Down down down y I go hard, I go home, tres bombazos electropunk (más electro que punk el último), es una amalgama de lo que la electrónica puede dar de sí, con un resultado bastante ecléctico. A veces suenan al techno pop de Tiga o los temas más tranquilos de Apollo 440, en Steamworks o Worms, o al de los últimos Fischerspooner, en Girl and the sea o Bad up your betterness. Otras veces suenan más ochenteros, como en el interludio Black Background. Con Kitty In The Middle se aproximan a !!! o LCD Soundsystem, y Hill Stuck podría ser perfectamente un tema del Melody AM de Röyksopp. Girl (You Chew My Mind Up) recupera el electropunk y Beams titula y cierra el disco con un pasaje tranquilo, de melodía cinematográfica, con un crescendo de cuerdas, recordando a alguno de los temas de Télépopmusik o incluso Air.

El disco en conjunto flojea, quizás por el abuso de temas instrumentales, siendo dos de ellos, además, temas cortos, y precisamente por el resultado tan ecléctico que tiene, pero tampoco se puede hablar de un mal disco. Y menos después de ver lo que han hecho en el segundo, Apocalypso, del cual hablaré en breve.

Siguiendo con la reorganización y desglose de las antiguas entradas entradas que he dedicado a discografías completas de algún artista, tras empezar con los Scissor Sisters la semana pasada, hoy le toca el turno a Peter Björn and John.

A Peter Björn and John se les conoce mundialmente por Young Folks (la p*** canción del silbidito), pero mucho antes de que la cancioncita terminara pasto de politonos y aburriéndonos hasta a los que nos gustó en su día, estos tres músicos y productores suecos ya habían sacado dos discos.

El primero de ellos se publicó hace ya seis años, y es uno de esos discos a los que vuelvo cada cierto tiempo, porque, aunque musicalmente no invente nada, reune un total de diez temas con un orden cuidado y un resultado bastante compacto. Vamos, de esos discos que se prestan a escucharlos de principio a fin.

Musicalmente suena a revival sesentero por los cuatro costados, con un sonido lo-fi en la producción que incrementa aún más esa sensación. Además de los temas con más clara influencia de los 60, como la frenéticas I don't know what I want us to do, Matchmaker o Education circle; o la más calmada Failing and passing y People they know, con la presencia de unos teclados con una textura totalmente vintage. También hay cabida para baladas con un sonido folk americano, como Mutual misunderstanding, la melancólica balada a piano From now on, y sobretodo Collect, select, reflect. Y tampoco se dejan de lado la parte más psicodélica de los sesenta con la increible 100m of hurdles. Y cierran perfectamente el disco con la delicada Please, go home.

Apuntaban maneras. Vaya que sí.

Que Oasis no son lo que eran, lo sabe todo el mundo. Que su actitud polémica les ha hecho ganarse la enemistad y el odio de mucha gente, también. A mí personalmente, la prepotencia y el orgullo que han demostrado siempre, me encanta, que para grupos humildes ya están otros.

Pero una cosa es la actitud y otra la música que hacen, y eso no me encanta tanto, al menos no tanto como en sus primeros discos, y menos con este último disco. El single The shock of the lightning ya ponía sobre aviso, una canción lineal y monótona, en definitiva, aburrida. Y el disco, pues eso, lineal, monótono, en definitiva, aburrido. Y eso que con Bag it up el disco no empieza mal, potente, sucio y guitarrero, muy al estilo de lo que hicieron en su anterior disco; y tampoco continúa mal con The turning, con una línea de piano que va guiando la canción, dando un sonido ligeramente original en lo que ha venido siendo Oasis hasta ahora. Pero a partir de ahí, el disco empieza a caer y caer y caer, en una espiral de temas sucios, machacones y lineales como Waiting for the rapture, The shock of the lightning, Ain't got nothing o The nature of reality, salpicados por medio-tiempos un tanto insulsos como I'm outta time, (Get off your) high horse lady o To be where there's life (que parece una canción de las malas de Beck), destacando levemente Falling Down (del que se supone que han hecho un remix los Chemical Brothers), por la atmósfera que crea la percusión y los teclados que añaden un punto dramático. Por último, el disco cierra con Solder on, una buena canción de cierre, de las de créditos finales de una peli con final agridulce, pero que con semejantes temas previos, termina resultando aburrida y tediosa, deseoso de que el disco acabe para poner cualquier otro disco mejor.

Y no, no tiene ninguna pinta de ser uno de esos discos que mejoran con las escuchas. Ha salido a la venta hoy, pero lleva algunos días en los estantes de las tiendas, y algunos días más filtrado por Internet. Vamos, que no ha sido por tiempo para darle una, dos y hasta diez escuchas, esperando de repente descubrir el misterio y que terminase calando. Pero va a ser que no.

El disco empieza con la delicada "So Sorry", con un ritmo de bossanova lenta, una guitarra acústica y su voz, que ya abren el apetito, para hartarse después con "I feel it all", power pop del que te hace querer salir corriendo por la calle saltando como en un musical y del que te hace llorar cuando en el estribillo todo se contiene mientras ella dice "I'll be the one who'll break my heart, I'll be the one to hold the gun, I'll be the one who'll break my heart, I'll end it thought you started it". Después viene "My moon my man" con una línea de piano marcando el ritmo y con un video musical tan mágico como el de "1,2,3,4", y es que ¿a quién no le dan ganas de ir andando haciendo coreografías por la calle con esta canción? A partir de hoy seré incapaz de ir por una cinta transportadora sin hacer el idiota (bueno, ya lo hacía antes). "The Park" y "Water" bajan el ritmo, la primera, un baladón lo-fi, que debe haberlo grabado en el porche de su casa, y el segungo, otro desgarrador tema a piano. Con "Sealion", nos ponemos black power, medio gospel y le hacemos un homenaje a Nina Simone. Y seguimos con el tema que ahora mismo más obsesionado me tiene "Past in present", folk y power pop one more time, del que te hace querer correr y saltar y del que te hace llorar en un contenido estribillo en el que nos suelta "There's so much present inside my present, inside my present, and so, so much past inside my present, inside my present, inside my present" y yo exploto, literalmente. Después de tres minutos de rozar el nirvana, viene "The limit to your love", perfecto intermedio entre la anterior, y la siguiente, "One, Two, Three, Four", una canción sencilla, con un video mágico, y con frases como "1, 2, 3, 4, 5, 6, 9 and 10, money can't buy you back the love that you had then". Cuando todos empiezan a girar a su alrededor cogiéndose a ella, y cuando al final todos desaparecen, yo... floto. Y "Brandy Alexander", "Intuition", "Honey Honey" y "How my heart behaves" cierran el disco, en un, quizás, epílogo demasiado largo, pero que a pesar de no tener ningún tema más movido, tiene la elegancia del primero, la desgarradora sencillez del segundo, el toque peculiar del tercero y el perfecto sonido de cierre de disco del cuarto.

Bueno, después de correr, saltar, reir, llorar, explotar y flotar, me recompongo para terminar. Espero verla en algún festival este verano.

Han pasado ya 4 años desde "Tan simple como el amor" y se echaba en falta nuevo material de Guille Milkyway y sus alter ego de La Casa Azul. Pero la espera ha merecido la pena, nuevas canciones de las de siempre, con la complejidad de arreglos de siempre, ahora con vocecitas en japonés incluidas (se nota que les quieren mucho por allá), el pop de siempre,... en fin, que si te gustaban, te gustarán, y si no los conocías, siempre es un buen momento para engancharse, porque vas a encontrarte con una discografía no muy larga y bastante homogénea y asequible. Vamos, que no son Radiohead o Blur.

Con temas como "La revolución sexual", que empieza con un claro homenaje a Ritmo de la noche,... si, aquella de "Ritmoooooo, Ritmooo de la nocheeeeee...". La genial "El momento más feliz" con esa temática contumbrista y nostálgica que tan bien se le da al Milkyway. La ab so lu ta men te bai la ble (¿alguna no lo es?) "No más Myolastan"... no más Doxilamina, no más, hoy empieza mi nueva vida, voy a cambiar el final, a volver a volar... etc etc etc. Quizás a estas alturas el factor novedad lo haya perdido, y la frescura que desprendía hace unos años no sea la misma, pero La Casa Azul aún sigue en forma, con su chochipop lleno de papapapapas.

El 24 de noviembre los tenemos en el Greenspace, y yo,... yo he de ir a verlos como sea y me da igual si voy solo.

Han vuelto, después de... ¿3 años? Con un Grandes Éxitos de por medio, que siempre parece suponer un punto de inflexión en la carrera musical de un grupo, la verdad es que han vuelto siendo los Travis de siempre, vamos, que para quien haya escuchado "Big Chair" y se haya asustado por el cambio de textura en el sonido, que esté más o menos tranquilo, porque no se han olvidado de sus canciones lentas, tiernas y melancólicas que saben hacer tan bien. De hecho, el que parece ser al final el single oficial "Closer" es un tema de lo más "Travis".

El disco abre con "Three times and you lose", melancólica y con la textura tan característica de Travis en las guitarras, y continúa con la que para mi es la canción que más destaca en el disco "Selfish Jean", la típica "canción de Lunes soleado por la mañana", con una percusión animada, una estructura perfecta, un estribillo que entra solo y una letra irónica que completa el conjunto (y un parón en medio con unas cuerdas que entran de golpe y que me ponen los pelos de punta). Pasamos al single "Closer" tierna y melancólica, de nuevo muy suya, para seguir con "Big Chair" con una textura de sonido peculiar, gracias a la marcada presencia del bajo y el piano. "Battleships" empieza impresionante, pero se desinfla con la melodia. "Eyes wide open" es un corte más oscuro y sucio, con una percusión marcada. Con "My eyes" volvemos a los Travis de siempre, con sus cuerdas y su sonido de guitarra, lo mismo que en "One night". "Out in Space" es el corte acústico folk del disco, con coros y percusiones con un punto onírico. "Colder" quizás sea el tema más eléctrico (que no electrónico), en el que incluso se atreven a usar un vocoder, y que entre tanta "canción Travis" queda como una nota de color y da un respiro al disco. Cerramos con "New Amsterdam", de nuevo acústicos y folkies,... y si nos esperamos lo suficiente, nos encontramos con un tema oculto, del que no sé el título, de nuevo bastante "Travis".

En definitiva, el disco no me llega a emocionar, "12 Memories", el anterior, me pareció mucho mejor disco, y pensaba que después de huir de la languidez y apostar por un sonido más crudo, iban a seguir por ese camino, pero han vuelto melancólicos y grises, quizás demasiado para mi gusto. Aún así, mejora tras cada escucha, y sólo por "Selfish Jean" ya merece la pena.